A Alexander Gray Associates tem o orgulho de apresentar obras-primas recentes e históricas de uma seleção de artistas visionários, incluindo Chloë Bass, Frank Bowling, Ricardo Brey, Bethany Collins, Melvin Edwards, Harmony Hammond, Kang Seung Lee, Steve Locke, Carrie Moyer, Ronny Quevedo, Joan Semmel, Hugh Steers e Ruby Sky Stiler. Cada artista, através das suas práticas únicas, abre novos caminhos formais e conceptuais, reunindo abordagens inovadoras à materialidade e à representação.
Durante mais de cinquenta anos, Frank Bowling fundiu perfeitamente a abstração com a memória pessoal e colectiva, oferecendo reflexões profundas sobre a identidade negra. O seu contínuo refinamento da cor é evidente em obras como Sunrise (2020), que capta a luminosidade da pintura de paisagem inglesa do século XVIII, ao mesmo tempo que invoca os cursos de água cintilantes da sua Guiana natal. Melvin Edwards, um amigo de longa data de Bowling, cria esculturas abstractas que misturam expressividade com formas modernistas. O seu trabalho, como Combination (2005) da série Lynch Fragments, utiliza o aço para fazer referência tanto ao trabalho físico como à violência racial, reconfigurando assim as narrativas em torno da diáspora africana.
Num sentido diferente, Chloë Bass explora o potencial da linguagem. A sua peça January 6th – 7th, 2020 (2024) consiste em dois candeeiros com inscrições sobre os seus relatos dos acontecimentos desses dias. Mudanças subtis na intensidade das lâmpadas marcam a passagem do tempo, promovendo novos modos de “ver”, como Bass descreve. Em contrapartida, Bethany Collins utiliza as qualidades materiais do papel e as suas reacções a acontecimentos físicos para codificar histórias mais vastas. Old Ship XII (2023) é um excelente exemplo, moldando o papel num monumento que comemora a história dos negros americanos.
Joan Semmel e Carrie Moyer, por outro lado, adoptam abordagens arrojadas à cor e à forma. Desde a década de 1970, Semmel intervém na tradição histórica da arte do nu, com obras como Seated (2024) que celebram a cor e a carne, tomando o seu próprio corpo como objeto. As composições lúdicas de Moyer enfatizam o sensorial, com peças como Icy Hot (2024) que criam superfícies imersivas e tácteis que sugerem o mundo natural. O compromisso de Ricardo Brey com a cor, demonstrado na sua série contínua de obras azuis, incluindo Filtering of Lights (2023), entrelaça a história do monocromático com a paisagem.
Igualmente empenhadas na intersecção da forma e do conteúdo, Harmony Hammond e Ruby Sky Stiler reformulam a pintura através de perspectivas queer e feministas. As obras quase monocromáticas de Hammond, como Lace II (2013), apresentam superfícies fortemente trabalhadas, semelhantes a pele. Ao questionar o monocromo modernista, estas telas promovem uma abordagem à abstração que está profundamente enraizada no corpo. As pinturas em relevo de Stiler, como Seated Blue Figure (with turquoise and red outline) (2024), desafiam os arquétipos da história da arte ao apresentarem figuras femininas coladas contra bases de tipo fractal, combatendo a dicotomia entre “a mulher como sujeito da pintura versus criadora da imagem”. Os desenhos multicamadas de Ronny Quevedo, tais como el centro folklórico (2024), fragmentam e remontam os motivos abstractos dos têxteis pré-colombianos, colapsando as distinções entre passado e presente. Para Quevedo, estas obras “dão vida a uma ancestralidade de abstração e figuras transformacionais”.
Em contraste, as pinturas cruisers de Steve Locke, incluindo cruisers (lunch counter) (2024), utilizam a figuração para captar momentos íntimos entre homens, emergindo como meditações sobre o olhar e mapeando a política – e os perigos – do desejo. Abordando de forma semelhante os perigos do desejo, Shadow Box (1991) de Hugh Steers retrata as realidades psíquicas inquietantes enfrentadas por homens queer que navegam num mundo para sempre alterado pela epidemia da SIDA. Kang Seung Lee recontextualiza materiais visuais relacionados com a história queer e a memória colectiva. A sua obra Untitled (Elysian 2) (2024) apresenta reproduções de vagens de sementes e flores secas do Elysian Park, um famoso local de encontros queer em Los Angeles. Ao memorializar esta flora, Lee afirma que “[cria] este espaço para a experiência corporal (…) através de um trabalho artístico que não pode ser facilmente expresso em palavras.”
Ao unir estas diversas abordagens à abstração e à representação, a apresentação da Galeria na Frieze de Londres põe em evidência os modos expansivos de trabalho utilizados por estes treze artistas. Coletivamente, as obras em exposição sublinham a convicção de Lee de que “ligar diferentes geografias e experiências … abre a possibilidade de criar novos conhecimentos através do processo artístico”.
