Os Prémios da Academia, coloquialmente conhecidos como Óscares, são amplamente considerados o “pináculo da carreira de um ator” e os “prémios de maior prestígio na indústria cinematográfica a nível global”. Receber a cobiçada estatueta dourada é frequentemente visto como o “selo máximo de aprovação da indústria cinematográfica”, um profundo reconhecimento dos pares de que a dedicação e a arte de um ator culminaram numa performance “tão impactante que se sentiram motivados a coroá-lo como o melhor na sua categoria”. Esta honra singular significa um nível de desempenho que poucos alcançam.
Apesar deste imenso prestígio, um número surpreendente dos talentos mais reverenciados de Hollywood, atores que consistentemente entregaram “trabalho exemplar ano após ano”, viram-se repetidamente “preteridos” para um Óscar de representação competitivo. Este fenómeno recorrente é frequentemente visto por entusiastas de cinema e críticos como um “crime de arte e bom gosto”.
Esta exploração celebra as carreiras de dez dessas luminárias, reconhecendo as suas imensas contribuições para a arte do cinema. É vital reconhecer, como a Entertainment Weekly observou com acerto, que “a falta de uma vitória não torna subitamente medíocre o talento de um ator. Na verdade, arriscaríamos dizer que algumas estrelas sem Óscar resistirão ao teste do tempo muito mais do que algumas que efetivamente ganharam o ouro”. As suas histórias não só iluminam o seu brilhantismo individual, mas também lançam luz sobre a intrincada, por vezes perplexa, dança da votação da Academia e a natureza multifacetada da conquista cinematográfica.
O reconhecimento consistente que estes atores receberam da Academia, frequentemente através de múltiplas nomeações ao longo de décadas, sublinha o seu talento extraordinário. Este reconhecimento repetido, justaposto à ausência de uma vitória, torna as suas jornadas aos Óscares particularmente cativantes e dignas de exame.
Os Talentos Não Coroados
1. Glenn Close: A Rainha Reinante dos Quase-Óscares
Glenn Close destaca-se como uma verdadeira titã tanto do palco como do ecrã. A sua ilustre carreira, que abrange mais de cinco décadas, é adornada com uma miríade de galardões, incluindo três Primetime Emmy Awards, três Tony Awards e três Globos de Ouro. Em 2019, a revista Time nomeou-a, com justiça, uma das 100 pessoas mais influentes do mundo, um testemunho do seu impacto de longo alcance. Close é celebrada pela sua extraordinária versatilidade e pela sua profunda capacidade de retratar “personagens complexas e cativantes com profundidade, intensidade e vulnerabilidade”. É uma atriz que consistentemente “dá vida a cada personagem”, transmitindo com mestria tanto “vulnerabilidade como força em igual medida”. Além das suas contribuições monumentais para as artes performativas, Close é também uma fervorosa defensora da consciencialização para a saúde mental e dos direitos das mulheres.
A sua jornada aos Óscares é lendária: Close detém o recorde pouco invejável de ser a atriz viva mais nomeada sem uma vitória competitiva num Óscar, partilhando esta distinção com o falecido Peter O’Toole, ambos tendo acumulado oito nomeações de representação sem garantir uma vitória. Esta notável série de nomeações, por si só, diz muito sobre o reconhecimento consistente da Academia do seu talento excecional numa gama diversificada de papéis e eras cinematográficas. As suas nomeações incluem: Melhor Atriz Secundária por O Mundo Segundo Garp (1982), onde interpretou memoravelmente uma mãe feminista; Os Amigos de Alex (1983), personificando um arquétipo da geração baby boomer; Um Homem Fora de Série (1984), como um pungente interesse amoroso; e muito mais tarde, por Lamento de uma América em Ruínas (2020). As suas nomeações para Melhor Atriz surgiram por alguns dos seus papéis mais icónicos: a perigosamente obcecada Alex Forrest em Atracção Fatal (1987); a astuta e manipuladora Marquise de Merteuil em Ligações Perigosas (1988); a sua transformadora interpretação de uma mulher que vive como um mordomo inglês em Albert Nobbs (2011); e a sua aclamada performance em A Mulher (2018).
Entre estas, várias performances destacam-se como momentos em que o ouro do Óscar parecia tentadoramente ao alcance. O seu retrato de Alex Forrest em Atracção Fatal foi um marco cultural, impulsionando-a para o estrelato internacional e gravando o termo “coelhinha fervida” no léxico. Roger Ebert elogiou a sua performance como “aterradora e, no entanto, sempre plausível”, notando que o argumento de James Dearden lhe permitiu “iscar o anzol com galanteios melosos e depois fixá-lo com ciúme, possessividade e, finalmente, culpa”. Apenas um ano depois, a sua maquiavélica Marquise de Merteuil em Ligações Perigosas valeu-lhe outra nomeação para Melhor Atriz e fervorosa aclamação crítica. Muitos críticos e cinéfilos ainda argumentam que esta foi a performance pela qual ela inequivocamente merecia o Óscar. Ebert celebrou a “perfeição” do seu duelo no ecrã com John Malkovich, os seus “diálogos arqueados juntos transformam-se em exaustivos jogos de conversação, partidas de ténis da alma”. Décadas mais tarde, o seu papel como Joan Castleman em A Mulher (2018) – uma mulher que confronta uma vida inteira de compromissos feitos pelo seu célebre marido – trouxe-lhe uma sétima nomeação para Melhor Atriz e uma série de outros prémios importantes, incluindo um Globo de Ouro, um Prémio SAG e um Critics’ Choice Award. A sua performance foi aclamada como “deslumbrante”, “silenciosa e complexa, lindamente matizada e cheia de emoção”, com o realizador Björn Runge a focar frequentemente a sua câmara nas suas poderosas reações sem palavras. Para muitos, este parecia ser o momento em que a sua seca de Óscares finalmente terminaria, apenas para Olivia Colman causar uma celebrada surpresa por A Favorita.
As razões para os repetidos quase-Óscares de Close são multifacetadas. Ela enfrentou consistentemente uma concorrência incrivelmente forte, perdendo para atrizes que entregaram performances icónicas ou definidoras de carreira nos seus respetivos anos, como Jessica Lange por Tootsie – Quando Ele Era Ela, Cher por O Feitiço da Lua, Jodie Foster por Os Acusados e Meryl Streep por A Dama de Ferro. Há também um debate contínuo sobre as suas escolhas de carreira posteriores, com alguns comentadores a sugerir que filmes como A Mulher e Lamento de uma América em Ruínas, embora lhe tenham valido nomeações, foram talvez “veículos conservadores” ou “isca segura para Óscares” que não tiveram o impacto cinematográfico mais amplo de alguns dos seus papéis anteriores e mais arriscados. No entanto, a sua performance em A Mulher foi inegavelmente aclamada pela crítica. Outra perspetiva postula que, embora os seus filmes sejam altamente conceituados, ela pode não ter protagonizado aquele “grande filme inegavelmente intemporal” em que a sua derrota parecesse um choque absoluto e desafiador do consenso para o sistema.
Apesar da ausência de um Óscar competitivo, o legado de Glenn Close como “uma das grandes atrizes do nosso tempo” é indiscutível. A sua profunda influência baseia-se na sua notável versatilidade, no seu “estilo de representação imersivo” e na sua capacidade única de desenterrar “um número extraordinário de camadas num papel ou num único momento”. A historiadora de cinema Cari Beauchamp classifica-a entre as melhores atrizes dos últimos 80 anos, ao lado de lendas do ecrã como Bette Davis e Meryl Streep, citando a sua “coragem… nos papéis que escolhe, e a sua perseverança”. As suas oito nomeações em personagens diversas – de vilãs a figuras maternas, aristocratas de época a mulheres contemporâneas – sublinham uma extraordinária consistência e alcance que a Academia reconhece repetidamente. Esta mesma consistência, paradoxalmente, pode contribuir para a narrativa; a Academia reconhece o seu brilhantismo vezes sem conta, mas a alquimia específica de impacto do papel, prestígio do filme, força dos concorrentes e a “narrativa do Óscar” prevalecente necessária para uma vitória escapou-lhe. Cada derrota foi frequentemente para uma atriz a ter um momento definidor de carreira ou num filme com um impulso avassalador, destacando que uma vitória no Óscar é frequentemente mais do que apenas a qualidade singular de uma performance; trata-se dessa performance ressoar de uma forma muito específica dentro do contexto competitivo e cultural daquele ano em particular.
2. Amy Adams: A Seis Vezes Nomeada com Charme Versátil
Amy Adams construiu uma carreira notável e multifacetada, ganhando inicialmente amplo reconhecimento pelas suas “aclamadas representações de personagens ingénuas e encantadoras” em filmes como o sucesso independente Junebug (2005) e o musical da Disney Encantada (2007). No entanto, a sua impressionante amplitude rapidamente se tornou aparente, à medida que mergulhava em território dramático complexo com performances poderosas em Dúvida (2008), O Mentor (2012), Golpada Americana (2013) e Vice (2018). A sua filmografia exibe uma capacidade de incorporar diversos arquétipos, desde uma princesa da Disney de olhos arregalados a uma “vigarista sedutora”.
Esta versatilidade e excelência consistente levaram a seis nomeações para os Óscares da Academia sem uma vitória, uma estatística que levou a Entertainment Weekly a descrevê-la como “uma espécie de porta-estandarte desta causa”. As suas nomeações abrangem tanto as categorias de atriz secundária como principal: cinco para Melhor Atriz Secundária por Junebug (2005), Dúvida (2008), The Fighter – Último Round (2010), O Mentor (2012) e Vice (2018), e uma para Melhor Atriz por Golpada Americana (2013). Este registo coloca-a em companhia de prestígio, empatando-a com as lendas do ecrã Deborah Kerr e Thelma Ritter como a segunda atriz mais nomeada sem vitória, uma distinção superada apenas por Glenn Close.
O papel de destaque de Adams como a efervescente e faladora Ashley Johnsten em Junebug (2005) assinalou imediatamente a sua chegada como um grande talento, valendo-lhe a sua primeira nomeação para o Óscar e considerável atenção da crítica. Os críticos celebraram a sua performance “reveladora e comovente”, notando que ela “irradia tanta alegria, mesmo perante a tragédia”, e evitou habilmente reduzir Ashley a uma mera caricatura. O filme em si foi elogiado como uma “fatia de vida observada com perspicácia”. O seu retrato da inocente e impressionável Irmã James em Dúvida (2008) garantiu-lhe a segunda nomeação, com os críticos a elogiarem o seu comportamento “doce e inocente” e a forma como os seus olhos transmitiam a ingenuidade e o conflito interno da sua personagem.
Demonstrando a sua amplitude, Adams contrariou o seu tipo habitual como a dura e esperta Charlene Fleming em The Fighter – Último Round (2010), conquistando a sua terceira nomeação para o Óscar. Os críticos observaram que ela trouxe “magnetismo” ao papel, “mergulhando de cabeça no material” para entregar uma performance que equilibrava habilmente “vulnerabilidade e dureza”. Roger Ebert elogiou o seu retrato “lúcido” de uma mulher possuidora de uma “forte vontade”. A sua primeira nomeação para Melhor Atriz surgiu pelo seu papel como a vigarista Sydney Prosser em Golpada Americana (2013) de David O. Russell, um filme de elenco que obteve aclamação crítica generalizada. Adams foi elogiada por transmitir “vulnerabilidade profundamente enraizada escondida numa mulher de negócios perspicaz” através de um “retrato sensual e cerebralmente emocional”. Uma performance que, embora não lhe tenha valido uma nomeação para o Óscar, é frequentemente citada como uma das suas melhores e uma significativa desconsideração da Academia, foi o seu papel como a linguista Dra. Louise Banks em O Primeiro Encontro (2016). A Sight and Sound elogiou-a por transmitir “inteligência nativa sem cair na caricatura de génio”, e ela foi amplamente vista como o “centro emocional de um filme que parecia um forte candidato a Melhor Filme”. Mais recentemente, a sua transformadora interpretação de Lynne Cheney em Vice (2018) trouxe outra nomeação para Melhor Atriz Secundária, com os críticos a notarem a forte química entre ela e Christian Bale.
A jornada de Adams aos Óscares viu-a perder consistentemente para concorrentes formidáveis, incluindo Rachel Weisz (O Fiel Jardineiro), Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona), a sua colega de elenco em The Fighter – Último Round, Melissa Leo, Anne Hathaway (Os Miseráveis), Regina King (Se Esta Rua Falasse) e Cate Blanchett (Blue Jasmine). A omissão por O Primeiro Encontro permanece um ponto de discussão particularmente intrigante, especialmente dadas as outras oito nomeações do filme, incluindo Melhor Filme e Melhor Realizador. Este caso sublinha que mesmo uma performance principal, criticamente adorada num filme altamente celebrado, não garante uma nomeação de representação, apontando para a natureza por vezes imprevisível das escolhas da Academia.
Apesar da falta de uma vitória no Óscar, Amy Adams é amplamente considerada “uma das nossas melhores atrizes em atividade”. A sua filmografia é um testemunho da sua impressionante amplitude e da sua capacidade consistente de entregar performances memoráveis e aclamadas pela crítica numa vasta gama de géneros. O padrão das suas nomeações, predominantemente na categoria de atriz secundária, colocou-a frequentemente em elencos fortes onde o seu trabalho de destaque fazia parte de um sucesso coletivo maior. Isto pode ter contribuído para que fosse reconhecida, mas não vencesse contra intérpretes em papéis que eram talvez mais centrais ou “vistosos” nesses anos específicos. A sua única nomeação para Melhor Atriz enfrentou uma performance vencedora dominante de Cate Blanchett. A desconsideração por O Primeiro Encontro complica ainda mais esta narrativa, sugerindo que fatores além do puro mérito ou da centralidade do papel podem influenciar o processo de nomeação. A presença consistente de Adams nas conversas sobre os Óscares, no entanto, solidifica o seu estatuto como uma atriz cujo talento é repetida e merecidamente reconhecido pelos seus pares.
3. Edward Norton: O Camaleão Intenso
Edward Norton irrompeu na cena cinematográfica com uma intensidade abrasadora e uma abordagem intransigente ao seu ofício que imediatamente o distinguiram. Desde os seus primeiros papéis, demonstrou uma preferência por projetos artisticamente desafiadores em detrimento de empreendimentos puramente comerciais, uma característica que definiu grande parte da sua carreira. Além de atuar, Norton também se aventurou na realização e produção, fundando a Class 5 Films. As suas performances são frequentemente marcadas por um “fascínio pela dualidade”, e ele é conhecido por uma impressionante capacidade de transformação, raramente interpretando o mesmo tipo de personagem duas vezes.
O impacto de Norton foi tão imediato que ele obteve nomeações para os Óscares da Academia pelos seus primeiros papéis importantes. O seu historial nos Óscares inclui quatro nomeações: Melhor Ator Secundário pela sua estreia explosiva em A Raiz do Medo (1996), pelo seu papel complexo em Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância) (2014), e uma nomeação projetada para A Complete Unknown (para a cerimónia de 2025, com base em informações do início de 2025). A sua única nomeação para Melhor Ator surgiu pela sua inesquecível interpretação em América Proibida (1998).
A estreia de Norton no cinema em A Raiz do Medo como Aaron Stampler, um aparentemente inocente acólito acusado de um assassinato brutal, foi nada menos que eletrizante. O papel, que famosamente exibiu uma impressionante mudança de personalidade, valeu-lhe aclamação crítica imediata, um Globo de Ouro e a sua primeira nomeação para o Óscar. Roger Ebert elogiou o retrato “completamente convincente” de Norton, que jogou com mestria com as profundezas ocultas da personagem. Esta estreia foi tão poderosa que “lançou as bases para toda a sua carreira”. Seguiu-se outra tour-de-force em América Proibida, recebendo uma nomeação para Melhor Ator pela sua perturbadora e poderosa representação de Derek Vinyard, um carismático líder neonazi que passa por uma dolorosa reforma. A revista Empire considerou-a uma “performance imponente que estabelece Edward Norton como o ator de personagens mais promissor da sua geração”, elogiando a sua capacidade de reter um “fragmento de humanidade” mesmo dentro de uma personagem tão monstruosa. Norton esteve alegadamente profundamente envolvido na modelação da edição final do filme, um ponto de alguma controvérsia, mas também indicativo do seu empenho. Anos mais tarde, ele conquistou a sua terceira nomeação para o Óscar por Birdman, interpretando Mike Shiner, um talentoso mas volátil ator de método da Broadway cuja arrogância colide com a personagem de Michael Keaton, simbolizando a tensão entre a celebridade de Hollywood e a integridade artística teatral.
Apesar destas performances altamente aclamadas e nomeadas, Norton ainda não levou um Óscar para casa. Ele perdeu consistentemente para atores que entregaram performances excecionalmente fortes e memoráveis nos seus respetivos anos: Cuba Gooding Jr. por Jerry Maguire, Roberto Benigni pelo seu amado papel em A Vida É Bela, e J.K. Simmons pela sua aterradora interpretação em Whiplash – Nos Limites. Além da forte concorrência, têm havido persistentes rumores e relatos na indústria sobre Norton ser “difícil de trabalhar” ou procurar um alto grau de controlo criativo sobre os projetos, exemplificado pelos debates em torno da sua influência nas edições finais de América Proibida e disputas relatadas durante a produção de O Incrível Hulk. Embora a sua contribuição artística possa, em alguns casos, ter melhorado o produto final (como alguns argumentam para América Proibida), tal reputação, seja inteiramente justa ou não, pode influenciar subtilmente as relações na indústria e, por extensão, as perspetivas de prémios numa comunidade que valoriza a colaboração.
O legado de Edward Norton, no entanto, está firmemente estabelecido. Aclamado desde a sua estreia como um “jovem ator enormemente talentoso”, ele é respeitado pelas suas capacidades transformadoras, pela sua qualidade única de “homem comum” que pode transformar-se perfeitamente em intensidade ameaçadora, e pela sua abordagem inteligente e frequentemente meticulosa ao desenvolvimento de personagens. O seu trabalho não creditado no argumento de filmes como Frida sublinha ainda mais as suas contribuições artísticas mais amplas. A carreira de Norton começou com papéis tão explosivos e aclamados pela crítica que ele foi imediatamente identificado como um grande talento. Embora a sua carreira subsequente tenha permanecido forte e variada, a confluência particular de um papel transformador, um filme amplamente aclamado e um campo competitivo favorável necessário para uma vitória no Óscar, até agora, escapou-lhe. A sua intensidade artística é a sua marca registada, mas numa indústria onde a colaboração e a narrativa frequentemente desempenham papéis cruciais no sucesso dos prémios, esta mesma intensidade pode ser um fator complexo na sua jornada aos Óscares.
4. Ralph Fiennes: O Mestre da Nuance e da Ameaça
Ralph Fiennes é amplamente celebrado como “um dos atores mais populares e aclamados oriundos da Grã-Bretanha”, um intérprete distinguido pela sua “presença imponente e performances intensas”. A sua carreira é um testemunho da sua “pura versatilidade”, à medida que navega com facilidade entre retratar vilões aterradores como o comandante nazi Amon Göth em A Lista de Schindler e o nefasto Lord Voldemort na saga Harry Potter, e incorporar personagens encantadoramente excêntricas como M. Gustave em Grand Budapest Hotel, e até mesmo emprestar a sua voz a figuras animadas como Alfred Pennyworth em Lego Batman: O Filme.
Fiennes obteve três nomeações para os Óscares da Academia ao longo da sua carreira (sendo a terceira uma projeção para 2025 com base em informações do início de 2025 nos materiais fornecidos). A sua primeira surgiu para Melhor Ator Secundário por A Lista de Schindler (1993). Recebeu a sua primeira nomeação para Melhor Ator por O Paciente Inglês (1996), e outra nomeação para Melhor Ator é antecipada pelo seu papel em Conclave (um filme de 2024, com a nomeação projetada para os Óscares de 2025).
O seu papel de destaque internacional como Amon Göth em A Lista de Schindler de Steven Spielberg foi um retrato arrepiante e inesquecível que lhe valeu um Prémio BAFTA e a sua primeira nomeação para o Óscar. O próprio Spielberg ficou profundamente impressionado com a audição de Fiennes, recordando que viu “mal sexual” e uma aterradora capacidade de mudar instantaneamente de “momentos de bondade” que “arrepiavam”. Fiennes falou do peso psicológico de incorporar uma personagem tão sombria, admitindo que se sentiu “ligeiramente manchado por isso” depois de “investigar tão intensamente um comportamento tão negativo”. O seu Göth é amplamente considerado um dos antagonistas mais perturbadores do cinema moderno, um “símbolo senciente de uma mentalidade e ideologia” cujo mal é ainda mais aterrador porque está enraizado na realidade histórica.
Depois disto, Fiennes recebeu a sua segunda nomeação para o Óscar, desta vez para Melhor Ator, pelo seu retrato do melancólico Conde László Almásy no épico romântico arrebatador O Paciente Inglês. O filme foi um grande sucesso nos Óscares, e Fiennes foi elogiado como sendo “perfeitamente escolhido” para o papel principal. Embora a sua performance como o extravagante concierge M. Gustave H. em Grand Budapest Hotel (2014) de Wes Anderson não lhe tenha valido uma nomeação para o Óscar, é frequentemente citada por críticos e público como um ponto alto da carreira, uma demonstração magistral de inteligência, charme e timing cómico impecável que muitos sentiram ser merecedora de reconhecimento da Academia. Mais recentemente, o seu papel como Cardeal Thomas Lawrence em Conclave (2024), uma personagem definida pela contenção e autoridade silenciosa a navegar numa eleição papal, granjeou-lhe aclamação crítica e uma projetada terceira nomeação para o Óscar. A sua performance é elogiada pela sua profunda subtileza, onde ele “deixa o seu silêncio falar” e transmite imensa profundidade emocional através de “cada olhar, cada respiração hesitante, cada lampejo de dúvida”.
Apesar destas performances poderosas e aclamadas, Fiennes ainda não ganhou um Óscar. Por A Lista de Schindler, ele perdeu o prémio de Melhor Ator Secundário para Tommy Lee Jones por O Fugitivo. Vários fatores foram citados para este resultado, incluindo a possibilidade de Jones receber um “Óscar de compensação” por uma percebida desconsideração anterior por JFK, o apreço da indústria pelas contribuições significativas de Jones para moldar o argumento de O Fugitivo e a sua liderança no set, o facto de Fiennes ser um relativo recém-chegado na altura a retratar uma personagem absolutamente monstruosa, e a própria admissão de Fiennes de que “nunca fez campanha por quaisquer prémios”. Por O Paciente Inglês, ele perdeu o prémio de Melhor Ator para Geoffrey Rush por Shine – Simplesmente Genial. A própria subtileza que define a sua aclamada performance em Conclave é agora vista por alguns analistas como uma potencial desvantagem na corrida para Melhor Ator, já que a Academia frequentemente favorece “performances muito maiores e mais vistosas”.
O legado duradouro de Ralph Fiennes baseia-se na sua notável capacidade de “se adaptar a qualquer papel, seja drama, comédia, ação ou animação”, solidificando a sua reputação como “um dos melhores atores do nosso tempo”. Os seus papéis iniciais mais icónicos, particularmente Amon Göth, eram complexos e frequentemente vilanescos. Embora estas performances sejam criticamente reverenciadas, a Academia por vezes mostra hesitação em premiar atores por retratarem figuras profundamente malévolas, especialmente no início das suas carreiras, a menos que a performance e o filme alcancem um domínio cultural avassalador (como visto com Anthony Hopkins em O Silêncio dos Inocentes). O seu trabalho posterior, exemplificado por Conclave, exibe um extraordinário domínio da nuance e da emoção internalizada. Esta profunda subtileza, embora uma marca registada da grande representação cinematográfica, pode por vezes ser ofuscada na corrida aos Óscares por performances que são mais abertamente transformadoras ou emocionalmente demonstrativas. Isto sugere um padrão recorrente onde o tipo específico de brilhantismo de Fiennes nos seus papéis nomeados não se alinhou perfeitamente com as preferências prevalecentes da Academia nesses anos ou categorias específicos.
5. Samuel L. Jackson: O Rei do Cool, Ainda à Espera de uma Coroa Competitiva
Samuel L. Jackson é um ícone cinematográfico, um “ator altamente prolífico, tendo participado em mais de 100 filmes”. A sua presença imponente, “voz grave e autoritária” e propensão para retratar “personagens rebeldes”, “personagens duras que dizem muitos palavrões” e “personagens muito sábias e inteligentes” tornaram-no um dos atores mais reconhecíveis e amados da sua geração. Ele ganhou proeminência no início dos anos 1990, em grande parte através das suas colaborações impactantes com os realizadores Spike Lee e Quentin Tarantino.
Apesar da sua extensa e aclamada filmografia, Jackson recebeu apenas uma nomeação competitiva para os Óscares da Academia: Melhor Ator Secundário pelo seu papel inesquecível em Pulp Fiction (1994). Em 2022, a Academia reconheceu as suas contribuições monumentais para o cinema com um Óscar Honorário pela sua carreira.
O papel que lhe valeu a sua única nomeação competitiva, Jules Winnfield em Pulp Fiction de Quentin Tarantino, foi um fenómeno cultural que catapultou Jackson para o estrelato global. O seu retrato do assassino filosófico e citador da Bíblia é considerado um dos “anti-heróis mais cativantes” do cinema. O monólogo eletrizante de Jules, particularmente a sua recitação de uma passagem estilizada como Ezequiel 25:17, tornou-se instantaneamente icónico, misturando intimidação, espiritualidade e uma jornada de autodescoberta. Esta performance foi um “avanço” para Jackson, transformando-o num “nome familiar” e num talento altamente procurado para papéis dinâmicos e intensos.
A sua derrota por Pulp Fiction na categoria de Melhor Ator Secundário foi para Martin Landau, que venceu pela sua transformadora interpretação de Bela Lugosi em Ed Wood de Tim Burton. A desilusão de Jackson foi palpável; ele foi visivelmente visto a murmurar “merda” quando o nome de Landau foi anunciado. Jackson tem sido cândido sobre a sua perspetiva em relação aos prémios, afirmando inequivocamente que “é uma honra vencer”, não meramente ser nomeado, e sente que as nomeações são frequentemente esquecidas pelo público. Ele também ponderou que uma cena eliminada de Tempo de Matar (1996), se tivesse sido incluída na edição final, poderia ter-lhe valido um Óscar.
O legado duradouro de Samuel L. Jackson é inegável. Ele é uma figura icónica no cinema moderno, celebrado por uma multitude de personagens memoráveis em numerosos sucessos de bilheteira e filmes aclamados pela crítica, incluindo o seu papel de longa data como Nick Fury no Universo Cinematográfico Marvel e Mace Windu na trilogia de prequelas de Star Wars. Os seus filmes arrecadaram coletivamente milhares de milhões de dólares nas bilheteiras globais. O facto de um ator tão prolífico e culturalmente significativo ter apenas uma nomeação competitiva para o Óscar é, por si só, bastante surpreendente. A sua derrota por Pulp Fiction para Martin Landau, um respeitado ator veterano a entregar uma notável transformação biográfica, pode refletir a preferência ocasional da Academia por tais papéis, especialmente quando confrontados com uma personagem de um filme mais não convencional e que mistura géneros. A eventual atribuição de um Óscar Honorário a Jackson pode ser interpretada como o reconhecimento da Academia das suas imensas e duradouras contribuições para a arte do cinema, talvez servindo como uma forma de reconhecimento por uma vitória competitiva que muitos sentem que deveria ter sido sua.
6. Sigourney Weaver: A Rainha da Ficção Científica e Potência Dramática
Sigourney Weaver traçou um caminho único e influente em Hollywood, reconhecida pelas suas “representações pioneiras de heroínas de ação em blockbusters” a par de um corpo de trabalho convincente em filmes independentes. O seu retrato de Ellen Ripley na saga Alien não é apenas icónico; é amplamente “considerado uma protagonista feminina significativa na história do cinema”, alterando fundamentalmente o panorama para as mulheres nos géneros de ação e ficção científica.
O talento de Weaver foi reconhecido com três nomeações para os Óscares da Academia. Recebeu uma nomeação para Melhor Atriz pelo seu papel inovador em Aliens: O Recontro Final (1986). Numa proeza notável, recebeu duas nomeações de representação no mesmo ano, 1988: Melhor Atriz por Gorilas na Bruma e Melhor Atriz Secundária por Uma Mulher de Sucesso.
A sua performance como Ellen Ripley em Aliens: O Recontro Final (1986) de James Cameron foi um momento decisivo, valendo-lhe a sua primeira nomeação para o Óscar e marcando uma “nomeação histórica para uma atriz ser considerada por um filme de ficção científica/terror”, um género historicamente negligenciado pela Academia nas principais categorias de representação. Os críticos elogiaram consistentemente a sua performance. Sheila Benson do Los Angeles Times descreveu Weaver como o “núcleo incandescente” do filme, em torno da “inteligência desafiadora” e “atletismo sensual” da qual Aliens: O Recontro Final foi construído. Roger Ebert creditou ao seu retrato forte e simpático a coesão do filme, enquanto Jay Scott proclamou que Weaver fazia estrelas de ação masculinas contemporâneas como Sylvester Stallone e Arnold Schwarzenegger parecerem “modelos masculinos de pin-up”. A “desconsideração” do Óscar por Aliens: O Recontro Final ainda é sentida por muitos, com alguns a argumentar que “dói ainda mais 37 anos depois”. Em Gorilas na Bruma (1988), Weaver entregou um retrato convincente da apaixonada e controversa primatologista Dian Fossey, valendo-lhe uma nomeação para Melhor Atriz e um Globo de Ouro. Os críticos elogiaram o seu trabalho, com Hal Hinson do The Washington Post a declarar: “Finalmente, [Weaver] pode ter encontrado um papel à sua medida”, embora alguns sentissem que a caracterização no ecrã carecia da profundidade total da verdadeira Fossey. Ebert considerou “impossível imaginar uma escolha mais apropriada para o papel”.
Apesar destas poderosas nomeações, Weaver ainda não ganhou um Óscar. Por Aliens: O Recontro Final, perdeu para Marlee Matlin por Filhos de Um Deus Menor. Este resultado reflete provavelmente o preconceito histórico da Academia contra filmes de ficção científica e terror nas categorias principais de representação. Em 1988, um ano de duplas nomeações, ela perdeu Melhor Atriz (por Gorilas na Bruma) para Jodie Foster por Os Acusados, e Melhor Atriz Secundária (por Uma Mulher de Sucesso) para Geena Davis por O Turista Acidental. Alcançar duas nomeações de representação num único ano é um reconhecimento extraordinário da versatilidade e impacto de um ator nesse período cinematográfico específico. No entanto, vencer em duas categorias simultaneamente é excecionalmente raro, e ela enfrentou uma concorrência formidável em ambas as instâncias.
O legado de Sigourney Weaver como uma verdadeira pioneira das heroínas de ação femininas é indelével. A sua carreira exibe uma notável versatilidade, desde papéis definidores em blockbusters de ficção científica como Alien e Avatar a performances memoráveis em comédias como Os Caça-Fantasmas e dramas aclamados como A Tempestade de Gelo. A natureza inovadora da sua nomeação por Aliens: O Recontro Final não pode ser subestimada; desafiou as preferências de género tradicionais da Academia. A sua falta de vitória por esse papel icónico provavelmente reflete esses preconceitos prevalecentes. Embora as suas duplas nomeações em 1988 tenham sido uma honra significativa, a forte concorrência em ambas as categorias nesse ano provou ser insuperável. No entanto, o impacto de Weaver no cinema, particularmente na redefinição das possibilidades para protagonistas femininas, permanece profundo e duradouro.
7. Willem Dafoe: O Ícone Destemido do Cinema de Autor e Vilão Popular
Willem Dafoe é um ator de extraordinária amplitude e intensidade, celebrado pela sua “prolífica carreira a retratar diversos papéis tanto em filmes populares como de autor”. Membro fundador da companhia de teatro experimental The Wooster Group, Dafoe traz uma sensibilidade única, frequentemente ousada, às suas performances. A sua filmografia é um testemunho das suas escolhas artísticas destemidas e da sua capacidade de incorporar personagens em todos os pontos do espectro moral.
Dafoe foi nomeado para um Óscar da Academia quatro vezes, consistentemente reconhecido pelo seu trabalho transformador e convincente. As suas nomeações são: Melhor Ator Secundário por Platoon – Os Bravos do Pelotão (1986), A Sombra do Vampiro (2000) e The Florida Project (2017); e Melhor Ator por À Porta da Eternidade (2018).
O seu papel de destaque como o compassivo e moralmente centrado Sargento Elias Grodin no épico da Guerra do Vietname de Oliver Stone, Platoon – Os Bravos do Pelotão (1986), valeu-lhe a sua primeira nomeação para o Óscar e ampla aclamação crítica. A personagem de Elias, particularmente a sua icónica cena de morte, permanece gravada na memória cinematográfica. Elias é frequentemente analisado como uma figura de “integridade moral” e, em algumas interpretações, como personificando traços “femininos” de sensualidade, emoção e cuidado dentro do contexto hipermasculino do filme de guerra. Em A Sombra do Vampiro (2000), Dafoe entregou uma performance hipnotizante e aclamada pela crítica como Max Schreck, um ator que interpreta o Conde Orlok que pode ou não ser um vampiro real, conquistando a sua segunda nomeação para o Óscar. Roger Ebert observou que Dafoe “incorpora o Schreck de Nosferatu de forma tão extraordinária que, quando cenas reais do clássico mudo são inseridas no enquadramento, não notamos diferença”.
O seu papel secundário como Bobby Hicks, o gerente de motel de bom coração, mas cansado, em The Florida Project (2017) de Sean Baker, foi universalmente elogiado e trouxe-lhe a sua terceira nomeação para o Óscar, com muitos a considerarem-no o seu “mais próximo de vencer”. O Bobby de Dafoe serve como a “única influência estabilizadora e sã” num mundo de desespero, imbuído de uma “bondade latente”. Subsequentemente, recebeu uma nomeação para Melhor Ator pelo seu profundo retrato de Vincent van Gogh em À Porta da Eternidade (2018) de Julian Schnabel. Kenneth Turan do Los Angeles Times escreveu que o trabalho de Dafoe “parece ir além da representação convencional, usando tanto a intuição como a técnica para mergulhar profundamente na personagem”. O Yahoo Entertainment descreveu-o como um “Van Gogh inspirado na Obra-Prima Impressionista de Julian Schnabel”, uma performance que faz com que a já estimável filmografia de Dafoe pareça “mais completa e essencial”.
Apesar destas performances poderosas e variadas nomeadas, Dafoe ainda não ganhou um Óscar. Ele perdeu para Michael Caine (Hannah e as Suas Irmãs), Benicio Del Toro (Traffic – Ninguém Sai Ileso), Sam Rockwell (Três Cartazes à Beira da Estrada) e Rami Malek (Bohemian Rhapsody). Dafoe frequentemente escolhe papéis ousados e não convencionais em filmes independentes e de autor. Embora estas escolhas muitas vezes levem à aclamação crítica e mostrem a sua incrível amplitude, podem nem sempre alinhar-se com os gostos populares da Academia ou enfrentar forte concorrência de performances mais tradicionais de “isca para Óscares” num determinado ano. Um comentador do Reddit sugeriu mesmo que Dafoe não “joga o jogo” da política dos Óscares, o que por vezes pode ser um fator nos resultados dos prémios.
O legado de Willem Dafoe é o de um nome familiar cuja carreira está repleta de “interpretações dignas de prémios que nunca viram o devido reconhecimento” da Academia na forma de uma vitória. A sua notável amplitude é evidente na sua capacidade de retratar figuras tão díspares como Jesus em A Última Tentação de Cristo de Martin Scorsese e o maníaco Duende Verde em Homem-Aranha de Sam Raimi. Em 2020, o The New York Times classificou-o entre os 25 Maiores Atores do Século XXI, um testemunho do seu impacto duradouro. A carreira de Dafoe é uma fascinante mistura de intensas explorações de cinema de autor e memoráveis caracterizações populares. As suas nomeações para os Óscares refletem esta abordagem eclética. As suas derrotas ocorreram frequentemente quando ele competia contra atores em papéis dramáticos mais tradicionais ou biográficos que a Academia frequentemente favorece, ou contra atores a viver um “momento Óscar” significativo. O seu compromisso inabalável com papéis desafiadores, por vezes perturbadores, é, sem dúvida, a sua força artística, mas este mesmo compromisso também pode torná-lo um candidato mais complexo para uma vitória no Óscar, que muitas vezes requer um apelo de consenso mais amplo ou uma “narrativa” particularmente forte dentro da temporada de prémios.
8. Annette Bening: A Protagonista Consistentemente Brilhante
A carreira de Annette Bening, que abrange mais de quatro décadas, distingue-se pelo seu “trabalho versátil no ecrã e no palco”. O seu legado cinematográfico assenta na “excecional proeza de representação e no compromisso inabalável com o seu ofício”, entregando consistentemente performances matizadas que ressoam profundamente com o público. Tendo aperfeiçoado as suas capacidades no teatro, uma base evidente na credibilidade dos seus retratos, Bening transitou para o cinema com notável sucesso.
Bening foi nomeada para um Óscar da Academia cinco vezes sem garantir uma vitória, um testemunho da sua excelência sustentada e do reconhecimento consistente do seu talento pela Academia. As suas nomeações incluem uma para Melhor Atriz Secundária por Anatomia do Jogo (1990), e quatro para Melhor Atriz: Beleza Americana (1999), As Paixões de Júlia (2004), Os Miúdos Estão Bem (2010) e, mais recentemente, Nyad (2023).
O seu papel de destaque no cinema como a sedutora vigarista Myra Langtry no neo-noir de Stephen Frears, Anatomia do Jogo (1990), valeu a Bening a sua primeira nomeação para o Óscar e ampla atenção da crítica. Roger Ebert notou a sua cativante “combinação de sensualidade, perigo e vulnerabilidade”, reminiscente de atrizes clássicas do film noir como Gloria Grahame. Embora talvez não tão experiente como os seus colegas de elenco Anjelica Huston e John Cusack na altura, ela exibiu “talento florescente” e imbuiu uma personagem potencialmente superficial com considerável profundidade. A sua performance na estreia de Sam Mendes como realizador, Beleza Americana (1999), como a materialista e desmoronada Carolyn Burnham, granjeou-lhe um Prémio BAFTA, um Prémio SAG e a sua primeira nomeação para o Óscar de Melhor Atriz. Os críticos elogiaram a sua capacidade de fundir comédia e drama, criando uma personagem que, apesar das suas falhas, suscitava simpatia; ela era o “oposto perfeito da personagem de Kevin Spacey”.
Bening ganhou um Globo de Ouro pelo seu retrato da vivaz diva de palco Julia Lambert em As Paixões de Júlia (2004). A.O. Scott do The New York Times elogiou o seu “charme rápido e espirituoso” e “efervescência vertiginosa e imprudente”, enquanto Roger Ebert reconheceu que ela interpretou Julia com “grande vivacidade e energia”, mesmo que o filme em si fosse um “melodrama enfadonho”. Outro Globo de Ouro surgiu pelo seu papel como Nic, uma mãe lésbica a navegar complexas dinâmicas familiares, em Os Miúdos Estão Bem (2010). O filme recebeu ampla aclamação, com a performance de Bening, em particular, a merecer elogios generalizados. A sua nomeação mais recente por Nyad (2023), onde interpretou a determinada nadadora de longa distância Diana Nyad, foi descrita por alguns como “impressionante, se bem que estoica”, embora outros tenham achado o filme em si dececionante e a performance de Bening “mediana” quando não retratava as exigências físicas da natação.
A jornada de Bening aos Óscares viu-a perder para Whoopi Goldberg (Ghost – O Espírito do Amor), Hilary Swank (duas vezes, por Rapazes Não Choram e Million Dollar Baby – Sonhos Vencidos), Natalie Portman (Cisne Negro) e Emma Stone (Pobres Criaturas). A narrativa de que ela estava “atrasada” para um Óscar ganhou força particularmente após as suas duas derrotas para Hilary Swank. No entanto, algumas análises sugerem que a sua performance em As Paixões de Júlia, por exemplo, foi “pouco mais que adequada” e teve sorte em ser nomeada, especialmente quando comparada com a poderosa interpretação de Swank em Million Dollar Baby – Sonhos Vencidos. Argumenta-se que, embora as performances de Bening sejam consistentemente fortes, por vezes careceram do “fator X” definitivo dos papéis vencedores de Óscares ou enfrentaram interpretações icónicas e transformadoras das suas concorrentes (como Goldberg em Ghost – O Espírito do Amor ou a primeira vitória de Swank em Rapazes Não Choram).
O legado duradouro de Annette Bening é o de uma atriz altamente respeitada, conhecida pela sua capacidade consistente de se conectar com o público a um nível emocional, pela sua subtileza e pela sua honestidade intelectual. Ela manteve uma vida relativamente privada, priorizando o seu ofício em detrimento das armadilhas da celebridade. A sua carreira é marcada por aclamação crítica consistente e nomeações por retratar personagens femininas complexas. As suas derrotas, especialmente as duas para Hilary Swank, alimentaram uma narrativa de “atraso”. No entanto, um olhar mais atento sugere que, nesses anos específicos, os papéis altamente transformadores e fisicamente exigentes de Swank tiveram um impacto de “momento Óscar” mais significativo. A força de Bening reside em retratos matizados, frequentemente internamente complexos, que, embora profundamente apreciados por críticos e pares (como evidenciado pelas suas numerosas nomeações), podem por vezes ser ofuscados por performances mais abertamente dramáticas ou fisicamente transformadoras que a Academia frequentemente recompensa na categoria de Melhor Atriz.
9. Michelle Williams: A Mestre da Intensidade Silenciosa
Michelle Williams distinguiu-se como uma atriz de profunda profundidade e versatilidade, reconhecida pelos seus papéis convincentes tanto no cinema como na televisão e por frequentemente escolher “projetos que desafiam as normas sociais”. A sua jornada da popular série juvenil Dawson’s Creek para se tornar uma atriz de cinema consistentemente aclamada pela crítica é um testemunho da sua dedicação e talento em evolução.
Williams obteve cinco nomeações para os Óscares da Academia, demonstrando a sua notável amplitude: Melhor Atriz Secundária por O Segredo de Brokeback Mountain (2005) e Manchester by the Sea (2016); e Melhor Atriz por Blue Valentine – Só Contigo (2010), A Minha Semana com Marilyn (2011) e Os Fabelmans (2022).
O seu papel como Alma Beers Del Mar, a esposa que sofre silenciosamente no inovador O Segredo de Brokeback Mountain (2005) de Ang Lee, valeu a Williams a sua primeira nomeação para o Óscar e amplo reconhecimento crítico. A sua performance foi notada como “significativamente mais forte” do que a de Anne Hathaway (que interpretou a esposa do outro protagonista), à medida que Alma lida com a devastadora verdade do amor oculto do seu marido. A própria Williams permanece perplexa com a controversa derrota de O Segredo de Brokeback Mountain para Melhor Filme para Colisão, um sentimento partilhado por muitos que a consideram uma significativa injustiça dos Óscares. Por Blue Valentine – Só Contigo (2010), Williams recebeu uma nomeação para Melhor Atriz pelo seu retrato cru e emocionalmente ressonante de Cindy num casamento em desintegração. Descrita como uma “atriz crua e transparente”, as suas emoções no filme pareciam “sísmicas mesmo quando o seu rosto está imóvel”. Ela e o co-protagonista Ryan Gosling foram elogiados por exibirem “emoção nua no ecrã”.
O seu retrato transformador de Marilyn Monroe em A Minha Semana com Marilyn (2011) valeu-lhe um Globo de Ouro e outra nomeação para o Óscar de Melhor Atriz. Os críticos consideraram a sua performance “bastante notável”, com um crítico a afirmar que Williams era “tão convincente na aparência e nos maneirismos como Marilyn que não pensei estar a ver Michelle Williams”. Foi novamente nomeada para Melhor Atriz Secundária pelo seu breve mas poderoso papel como Randi Chandler em Manchester by the Sea (2016). Embora o seu tempo de ecrã fosse limitado, a sua performance foi descrita como um “tesouro a ser contemplado”, com uma cena de confronto crucial com Casey Affleck considerada singularmente “digna de Óscar”. Mais recentemente, recebeu uma nomeação para Melhor Atriz por interpretar Mitzi Fabelman, uma personagem baseada na própria mãe de Steven Spielberg, em Os Fabelmans (2022). Embora alguns críticos tenham achado a sua performance “exagerada”, argumentou-se que ela capturou com precisão a excentricidade única da verdadeira Leah Adler, como evidenciado por imagens de arquivo da própria Adler.
A jornada de Williams aos Óscares viu-a perder para Rachel Weisz (O Fiel Jardineiro), Natalie Portman (Cisne Negro), Meryl Streep (A Dama de Ferro), Viola Davis (Vedações) e Michelle Yeoh (Tudo em Todo o Lado ao Mesmo Tempo). Estas foram todas performances altamente aclamadas, frequentemente dominantes nos seus respetivos anos. Williams frequentemente se destaca em papéis que exigem profunda profundidade emocional e subtileza, retratando frequentemente personagens a lidar com o luto, relações complexas ou intensa turbulência interna. Embora consistentemente conquiste nomeações por estas performances poderosas e matizadas, ela enfrentou frequentemente vencedoras que tinham papéis altamente visíveis e transformadores ou faziam parte de candidatos a Melhor Filme “arrebatadores”. A sua notável capacidade de desaparecer em personagens, como fez com Marilyn Monroe, é uma marca registada do seu talento. No entanto, a própria subtileza e intensidade silenciosa que tornam as suas performances tão aclamadas pela crítica podem torná-las menos “ruidosas” ou abertamente “teatrais” num campo competitivo dos Óscares que por vezes favorece exibições de representação mais demonstrativas.
O legado de Michelle Williams é o de uma das atrizes mais respeitadas da sua geração, admirada pelo seu talento, dedicação e pela profunda profundidade que traz a cada personagem. A sua defesa da justiça social e da igualdade de género aumenta ainda mais o seu impacto para além do ecrã. O seu consistente reconhecimento nos Óscares por papéis que exigem um trabalho emocional tão matizado diz muito sobre a sua habilidade, mesmo que o prémio final tenha permanecido elusivo contra uma concorrência formidável.
10. Sir Ian McKellen: O Cavaleiro Teatral do Palco e do Ecrã
Sir Ian McKellen é “amplamente considerado um dos maiores atores de palco e ecrã” da sua geração, um intérprete versátil aclamado pelo seu domínio de personagens que vão desde o cânone shakespeariano a figuras contemporâneas. Cofundador da influente Actors’ Company e um proeminente ativista dos direitos LGBT, McKellen foi nomeado cavaleiro em 1991 pelos seus serviços às artes performativas. A sua carreira é um testemunho imponente de dedicação tanto no teatro como no cinema.
McKellen recebeu duas nomeações para os Óscares da Academia: Melhor Ator pelo seu retrato do realizador de cinema James Whale em Deuses e Monstros (1998), e Melhor Ator Secundário pelo seu papel icónico como Gandalf, o Cinzento, em O Senhor dos Anéis: A Irmandade do Anel (2001).
A sua performance como o envelhecido e assombrado realizador James Whale em Deuses e Monstros (1998) valeu-lhe a sua primeira nomeação para o Óscar e uma nomeação para o Globo de Ouro. Os críticos aclamaram o seu trabalho, com James Berardinelli a afirmar que McKellen “reconfirma porque muitos o consideram o melhor ator shakespeariano da sua geração”, dando vida a Whale com “uma poderosa combinação de energia e incerteza”. O filme em si foi descrito como um “filme extraordinariamente gracioso sobre desejo, envelhecimento e…”, oferecendo um olhar ficcionado e pungente sobre os últimos dias de Whale, explorando uma amizade improvável e as sombras persistentes do passado. A segunda nomeação de McKellen surgiu pelo seu retrato globalmente reconhecido do sábio feiticeiro Gandalf no épico de Peter Jackson, O Senhor dos Anéis: A Irmandade do Anel (2001). A sua performance foi elogiada como “positivamente Merlinesca”, e ele foi louvado por incorporar o feiticeiro com imensa credibilidade, dando a Gandalf um “ar de cordialidade avoenga, que poderia transitar impecavelmente para um poder imponente”.
Apesar destas performances altamente aclamadas, Sir Ian ainda não ganhou um Óscar. Ele perdeu o prémio de Melhor Ator por Deuses e Monstros para Roberto Benigni pelo seu papel intensamente emocional e amplamente amado em A Vida É Bela. Por O Senhor dos Anéis, ele perdeu o prémio de Melhor Ator Secundário para Jim Broadbent pelo seu pungente retrato em Iris. Em ambas as instâncias, a concorrência foi excecionalmente forte. A vitória de Benigni fez parte de um momento internacional significativo para A Vida É Bela, um filme que capturou o sentimento global. Jim Broadbent era um ator veterano altamente respeitado a entregar uma performance tocante num drama tradicional.
O legado de Sir Ian McKellen é monumental, cimentado pelo seu estatuto lendário no teatro (onde ganhou múltiplos Prémios Olivier e Tony) e pelos seus papéis icónicos em grandes franchises cinematográficos, mais notavelmente como Gandalf em O Senhor dos Anéis e Magneto na saga X-Men. A sua contribuição para a cultura popular através destes papéis é imensa e inegável. As nomeações de McKellen para os Óscares surgiram por papéis que brilhantemente exibiram a sua formação clássica e a sua profunda capacidade de incorporar figuras históricas e literárias complexas. As suas derrotas foram para atores que entregaram performances altamente emocionais ou tradicionalmente dramáticas que ressoaram fortemente com os votantes da Academia nesses anos específicos. Há também uma tendência histórica da Academia para por vezes negligenciar performances em filmes de fantasia para os principais prémios de representação, apesar do sucesso crítico e comercial geral dos filmes, a menos que a performance seja esmagadoramente dominante ou carregue uma narrativa de temporada de prémios particularmente convincente. O impacto duradouro de McKellen, no entanto, transcende qualquer prémio individual.
Porque é que o Ouro Escapa a Alguns Grandes Nomes
A jornada para uma vitória no Óscar é frequentemente mais complexa do que simplesmente entregar uma performance brilhante. Várias subcorrentes e dinâmicas da indústria podem influenciar o porquê de alguns dos atores mais talentosos se encontrarem repetidamente nomeados, mas, em última análise, não coroados.
O Fator “Narrativa” e Campanhas: Os Prémios da Academia não são decididos no vácuo; são influenciados por narrativas que se constroem ao longo da temporada de prémios. Fatores como um ator estar “na altura” de ganhar, uma “história de regresso” ou mesmo um “Óscar de compensação” para compensar percebidas desconsiderações passadas podem desempenhar um papel significativo na persuasão dos votantes. Campanhas ativas por parte de estúdios e indivíduos são também um elemento crucial. Alguns atores, como Ralph Fiennes, admitiram abertamente não se envolverem em campanhas vigorosas. Por outro lado, Samuel L. Jackson tem sido franco sobre a sua crença de que a honra reside em vencer, não apenas em ser nomeado, refletindo uma compreensão da natureza competitiva dos prémios. Os Óscares, portanto, não são apenas um julgamento do mérito no ecrã, mas também um reflexo de quão eficazmente uma performance e um ator são “vendidos” à Academia. Uma “história de Óscar” convincente pode, por vezes, dar uma vantagem a um nomeado sobre outro, independentemente do talento bruto exibido.
Concorrência Forte e “Mau Timing”: Talvez a razão mais direta para muitos quase-Óscares seja a pura força da concorrência num determinado ano. Muitos dos atores nesta lista viram-se confrontados com performances icónicas, únicas numa geração, ou em anos em que as categorias de representação estavam excecionalmente repletas de trabalho extraordinário. Um exemplo clássico é a performance imponente de Peter O’Toole em Lawrence da Arábia a perder para o amado Atticus Finch de Gregory Peck em Na Sombra e no Silêncio — a quinta e última nomeação de Peck, que culminou numa vitória. Glenn Close e Amy Adams, por exemplo, enfrentaram consistentemente vencedoras que entregaram performances poderosas ou beneficiaram de fortes narrativas cinematográficas. Uma vitória no Óscar é, assim, altamente contingente ao panorama competitivo específico de um ano em particular; uma performance que poderia ter triunfado num campo menos concorrido pode facilmente ser ofuscada quando emergem múltiplos concorrentes excecionais.
Preconceito de Género e Preferências da Academia: A Academia demonstrou historicamente certas preferências no que diz respeito aos prémios de representação. Papéis dramáticos têm sido tradicionalmente favorecidos em detrimento de performances em comédia, ficção científica, terror ou filmes de ação. A nomeação de Sigourney Weaver para Melhor Atriz pelo filme de ação e ficção científica Aliens: O Recontro Final foi uma conquista marcante, desafiando estas normas, mas não resultou numa vitória. A única nomeação de Bill Murray por O Amor É um Lugar Estranho, um filme que mistura comédia matizada com drama, alinha-se com este padrão de reconhecer trabalhos que misturam géneros, mas nem sempre lhes atribuindo o prémio principal. Da mesma forma, as nomeações de Johnny Depp surgiram frequentemente por papéis mais fantásticos ou estilizados. Além disso, a Academia mostra frequentemente uma predileção por “performances maiores e mais vistosas”, particularmente na categoria de Melhor Ator, ou papéis que envolvem transformações físicas significativas. Consequentemente, performances subtis e internalizadas, como o elogiado trabalho de Ralph Fiennes em Conclave, arriscam-se a ser negligenciadas em favor de uma representação mais abertamente demonstrativa. Isto sugere que o tipo de papel e o género do filme podem influenciar significativamente as perspetivas de Óscar de um ator, com a aclamação crítica dentro de um género “menos prestigiado” (para prémios de representação) ou por uma performance matizada nem sempre se traduzindo numa vitória no Óscar tão prontamente como um papel transformador num drama tradicional de “isca para Óscares”.
Conjunto da Obra vs. Performance Individual: O processo de votação da Academia pode, por vezes, refletir um desejo de honrar toda a carreira de um estimado veterano com um “Óscar de legado” ou um “prémio de carreira”, em vez de se focar estritamente na única performance nomeada desse ano. Isto pode significar que outro ator com uma performance particularmente merecedora nesse ano específico pode perder. Por outro lado, atores com um conjunto de obra consistentemente forte e aclamado, como muitos nesta lista, podem encontrar-se repetidamente nomeados, com os votantes talvez a assumirem que “eles acabarão por ganhar”. Esta difusão de urgência pode tornar mais difícil para qualquer performance individual se destacar, a menos que seja esmagadoramente inegável ou se alinhe perfeitamente com uma narrativa convincente de “finalmente chegou a vez deles”. A decisão do Óscar, portanto, torna-se frequentemente uma complexa interação entre recompensar a “melhor” performance do ano e reconhecer uma longa e distinta contribuição para o cinema.
O “Demasiado Difícil de Escolher” / Divisão de Votos: Embora nem sempre explicitamente comprovável para casos individuais, a mecânica da votação dos Óscares pode levar a resultados inesperados, especialmente em anos altamente competitivos. Em categorias repletas de múltiplas performances amadas, os votos podem dispersar-se. Num sistema de votação preferencial (usado para Melhor Filme) ou num voto por pluralidade (usado para categorias de representação), uma performance que obtenha uma base de apoio forte e consolidada pode sair vitoriosa sobre várias outras performances excelentes que dividem os votos restantes. Este é um fator mais especulativo, mas permanece uma dinâmica conhecida nas corridas aos Óscares, onde um campo concorrido de talento excecional pode, por vezes, levar a resultados surpreendentes.
Para Além da Estatueta
O fascínio de um Prémio da Academia permanece potente em Hollywood, um símbolo de reconhecimento pelos pares e excelência cinematográfica. No entanto, como demonstram as carreiras destes dez atores extraordinários — e de muitos outros como eles —, a ausência desta estatueta dourada em particular pouco diminui o seu profundo impacto na arte do cinema. As suas filmografias são ricas em “trabalho exemplar”, papéis icónicos e performances que não só obtiveram aclamação crítica e múltiplas nomeações para os Óscares, mas também ressoaram profundamente com o público em todo o mundo, moldando a história do cinema de formas indeléveis.
Embora uma vitória no Óscar possa, sem dúvida, elevar uma carreira e proporcionar um momento de validação máxima da indústria, a verdadeira medida das contribuições destes atores reside no poder duradouro das suas performances. A intensidade arrepiante de Glenn Close, o charme versátil de Amy Adams, a profundidade camaleónica de Edward Norton, a ameaça matizada de Ralph Fiennes, o cool inegável de Samuel L. Jackson, a força pioneira de Sigourney Weaver, a arte destemida de Willem Dafoe, o brilhantismo consistente de Annette Bening, a intensidade silenciosa de Michelle Williams e a gravitas teatral de Sir Ian McKellen — estas qualidades enriqueceram o cinema muito para além dos confins de qualquer cerimónia de entrega de prémios.
Os seus legados estão seguros, construídos sobre uma base de talento excecional, dedicação ao seu ofício e uma coleção de personagens inesquecíveis que continuam a inspirar e cativar. O Óscar pode tê-los iludido até agora, mas as suas extraordinárias contribuições para o mundo do cinema são inegáveis e resistirão, sem dúvida, ao teste do tempo.
