No grande panteão do cinema moderno, poucas figuras ocupam um espaço tão singular e primorosamente trabalhado como Guillermo del Toro. Ele é cineasta, autor, artista — mas, acima de tudo, é um alquimista. Ao longo de mais de três décadas, tem praticado uma forma única de alquimia cinematográfica, pegando no que alguns poderiam chamar de “matéria vil” — monstros, fantasmas, insetos e os adereços do terror — e transmutando-a em ouro narrativo. A sua obra é um testamento de uma crença profunda e inabalável: que os monstros são os “santos padroeiros da imperfeição” e que dentro do grotesco reside uma beleza única e poética.
A sua carreira não é uma simples progressão do terror de baixo orçamento ao prestígio de Hollywood, mas um projeto consistente e de uma vida inteira para construir um gabinete de curiosidades cinematográfico. Cada filme é uma nova gaveta neste gabinete, revelando um mundo meticulosamente projetado onde os contos de fadas colidem com a maquinaria brutal da história, e onde as personagens mais humanas têm frequentemente cornos, guelras ou corações de relojoaria. Esta visão inabalável levou-o aos mais altos picos da indústria, valendo-lhe os Óscares de Melhor Realizador e Melhor Filme por um filme sobre o amor de uma mulher muda por um deus do rio, e outro de Melhor Filme de Animação por uma fábula em stop-motion sobre um rapaz de madeira na Itália Fascista. A jornada de Guillermo del Toro é a história de um realizador que não mudou a sua visão para ganhar a aprovação de Hollywood, mas que, através de pura mestria e convicção, fez com que Hollywood finalmente apreciasse a profunda e monstruosa visão que sempre manteve.
Uma Infância Forjada na Sombra e na Fé
A matéria-prima de toda a visão artística de del Toro foi extraída das ruas e casas da sua Guadalajara natal, no México, onde nasceu a 9 de outubro de 1964. A sua juventude foi um cadinho de influências profundas e muitas vezes contraditórias. Foi criado num lar católico rigoroso e devoto, presidido pela sua avó, uma mulher cuja fé era tanto uma fonte de rica iconografia como de um terror profundo. Ela via o seu crescente fascínio pela fantasia e pelo terror não como uma centelha criativa, mas como uma doença espiritual. Desaprovando os seus desenhos de monstros e demónios, submeteu o jovem a dois exorcismos, atirando-lhe água benta na tentativa de purificar a sua alma. Como forma adicional de penitência, colocava-lhe caricas de metal nos sapatos para que lhe ensanguentassem os pés, uma manifestação física e crua da culpa religiosa.
Este catolicismo mórbido era espelhado pela realidade sem filtros da própria cidade. Del Toro falou da sua exposição precoce e repetida à morte, guardando memórias vívidas de ver cadáveres reais em morgues, em catacumbas de igrejas e na rua após acidentes ou atos de violência. Este ambiente, onde o sagrado e o profano estavam em constante e visceral diálogo, moldou uma mente que não via fronteiras claras entre o real e o fantástico. Para escapar, refugiou-se num mundo de faz de conta, encontrando consolo não nos santos, mas nos monstros.
Os seus impulsos criativos encontraram uma saída quando, por volta dos oito anos, começou a experimentar com a câmara Super 8 do seu pai. Os seus primeiros filmes, protagonizados por brinquedos de O Planeta dos Macacos e outros objetos domésticos, já estavam imbuídos de uma sensibilidade sombria e cómica. Uma curta-metragem notável apresentava uma “batata assassina em série” com ambições de dominação mundial, que assassinava a sua família antes de ser esmagada sem cerimónia por um carro. Este trabalho inicial revela uma mente que já brincava com os tropos do terror, encontrando um poder estranho e maravilhoso no macabro. O conflito central da obra posterior de del Toro — o choque entre instituições rígidas e cruéis e o “monstro” comovente e incompreendido — foi uma exteriorização direta desta infância. Ele não se limitou a rejeitar a fé da sua avó; apropriou-se da sua pompa gótica, transferindo o seu sentido de admiração и terror para uma nova mitologia pessoal da sua própria criação.
A Aprendizagem do Artesão: De Necropia a Cronos
A jornada de del Toro de jovem amador a cineasta profissional foi construída sobre uma base de habilidade prática e manual. Inscreveu-se no programa de estudos de cinema na Universidade de Guadalajara, onde até publicou o seu primeiro livro, uma biografia de Alfred Hitchcock. No entanto, a sua educação mais crucial não veio de uma sala de aula, mas de uma oficina. Procurou e estudou efeitos especiais e maquilhagem com o lendário Dick Smith, o artista por trás dos efeitos inovadores de O Exorcista. Esta mentoria foi transformadora. Na década seguinte, del Toro dedicou-se ao ofício, trabalhando como designer de maquilhagem de efeitos especiais e, eventualmente, fundando a sua própria empresa em Guadalajara, a Necropia. Durante este período, aprimorou as suas competências em programas de televisão mexicanos como Hora Marcada, onde trabalhou ao lado de futuros colaboradores como Alfonso Cuarón e Emmanuel Lubezki, e cofundou o Festival Internacional de Cinema de Guadalajara.
Esta compreensão profunda e tátil de como a magia do cinema é fisicamente esculpida, moldada e trazida à vida tornar-se-ia a base do seu estilo de realização, incutindo uma preferência de longa data por efeitos práticos que dão às suas criações fantásticas um peso tangível e visceral. Esta aprendizagem intensiva culminou na sua estreia em longas-metragens em 1993, com Cronos. O filme, financiado com um orçamento de cerca de 2 milhões de dólares que del Toro cobriu parcialmente, foi a expressão máxima da sua jornada como artesão. Foi um filme financiado e construído sobre a sua perícia em efeitos práticos. Cronos conta a história de um antiquário idoso que descobre um dispositivo de 400 anos, semelhante a um inseto, que concede a vida eterna ao custo de uma sede vampírica por sangue. O filme foi uma declaração de missão totalmente formada, apresentando ao mundo os motivos característicos de del Toro: mecanismos de relógio intrincados, imagens de insetos, um monstro trágico e simpático e um poço profundo de simbolismo católico. Também marcou a sua primeira colaboração com o ator Ron Perlman, que interpretou um americano brutal em busca do dispositivo.
Cronos foi uma sensação no México, arrebatando os Prémios Ariel com nove vitórias, incluindo Melhor Filme e Melhor Realizador. Em seguida, ganhou o prestigioso prémio da Semana Internacional da Crítica no Festival de Cannes, anunciando a chegada de uma voz surpreendentemente original no cinema mundial. Nos Estados Unidos, no entanto, o seu lançamento foi limitado e arrecadou meros 621.392 dólares. O filme foi um favorito da crítica, mas uma nota de rodapé comercial, um padrão que definiria a próxima fase da sua carreira enquanto se aventurava no coração do sistema de Hollywood.
Prova de Fogo: A Provação de A Mutação em Hollywood
Após o sucesso internacional de Cronos, del Toro fez a sua primeira incursão no sistema de estúdios americano com o filme de ficção científica e terror de 1997, A Mutação (Mimic), produzido pelo selo de género da Miramax, a Dimension Films. A experiência provar-se-ia uma traumática prova de fogo. Entrou em conflito constante com os produtores Bob e Harvey Weinstein, que, segundo ele, interferiram em todos os aspetos do projeto. O estúdio questionou as suas decisões sobre o enredo, o elenco e o tom, exigindo um filme mais convencional e “assustador” do que o longa-metragem de criaturas atmosférico que del Toro imaginava. O conceito original, envolvendo insetos brancos fantasmagóricos, foi alterado para baratas mutantes gigantes, uma medida que del Toro temia que transformaria o seu filme “no filme da barata gigante”.
As batalhas criativas tornaram-se tão intensas que Harvey Weinstein teria invadido o set de Toronto para instruir del Toro sobre como dirigir e, mais tarde, tentou demiti-lo, um esforço que só foi frustrado pela intervenção da atriz principal, Mira Sorvino. Del Toro desde então chamou a produção de A Mutação de uma das piores experiências da sua vida, uma “experiência horrível, horrível, horrível”, que comparou desfavoravelmente ao sequestro do seu próprio pai. Acabou por renegar a versão de cinema do filme, embora mais tarde tenha conseguido lançar uma versão do realizador em 2011 que restaurou algumas das suas intenções originais. A provação quase o afastou completamente do cinema americano.
No entanto, o trauma profissional de A Mutação teve um impacto profundo e duradouro no seu ofício. Em resposta ao facto de o seu trabalho ser reeditado e controlado pelo estúdio, del Toro desenvolveu conscientemente um estilo de realização específico como forma de autopreservação criativa. Começou a filmar de uma maneira que desafiava a reedição fácil, empregando movimentos de câmara fluidos, complexos e muitas vezes longos que se entrelaçam pelo cenário. Este estilo de “câmara flutuante”, agora celebrado como uma marca da sua arte, nasceu como uma tática de sobrevivência calculada. Era uma maneira de tornar a câmara uma personagem narrativa por direito próprio, incorporando a lógica da narrativa tão profundamente na linguagem visual de uma tomada que ela não poderia ser facilmente desmontada na sala de edição. A dor de A Mutação forjou as próprias ferramentas que ele usaria para construir as suas futuras obras-primas.
Um Regresso às Raízes: O Gótico Espanhol de A Espinha do Diabo
Abalado pela sua provação em Hollywood, del Toro fez um retiro estratégico e espiritualmente necessário. Voltou às suas raízes, formando a sua própria produtora, The Tequila Gang, e embarcando numa coprodução em espanhol entre Espanha e México. O resultado foi A Espinha do Diabo (2001), uma história de fantasmas gótica profundamente pessoal que serviu tanto como um rejuvenescimento criativo quanto como o projeto temático para a sua obra mais celebrada.
O filme foi produzido pelo lendário realizador espanhol Pedro Almodóvar e pelo seu irmão, Agustín, através da sua empresa El Deseo. Esta parceria provou ser o antídoto perfeito para o veneno de A Mutação. A del Toro foi concedida total liberdade criativa, um conceito tão absoluto que, quando ele pediu o corte final, Pedro Almodóvar ficou genuinamente confuso, respondendo: “Mas, claro, a decisão é sua!”. Este ambiente protegido permitiu a del Toro redescobrir a sua voz e curar as feridas do seu filme anterior. Ressuscitou um argumento que havia escrito antes mesmo de Cronos, uma história ambientada em 1939, durante o último ano da Guerra Civil Espanhola. A trama segue um rapaz, Carlos, que é enviado para um orfanato assombrado administrado por legalistas republicanos. Lá, ele confronta não apenas o fantasma de uma criança assassinada, mas também os males muito humanos da ganância e da violência personificados pelo zelador, Jacinto. O filme mescla com maestria o terror sobrenatural com a tragédia histórica, estabelecendo a Guerra Civil Espanhola como o que del Toro mais tarde chamaria de um “motor de fantasmas” — um trauma histórico tão profundo que os seus espectros continuam a assombrar o presente.
A Espinha do Diabo foi aclamado pela crítica como uma obra-prima de atmosfera e metáfora. Mais importante para del Toro, foi uma confirmação de que a sua visão intransigente poderia resultar num cinema poderoso e ressonante. Ele descreveu o filme como o “filme-irmão” de O Labirinto do Fauno, uma contraparte mais masculina à energia feminina da sua obra posterior. A realização criativa e o sucesso de crítica de A Espinha do Diabo foram a sessão de terapia artística essencial que não apenas restaurou a sua confiança, mas também estabeleceu as bases temáticas e o pano de fundo histórico para a obra-prima que estava por vir.
A Conquista do Grande Público: Blade II e a Saga Hellboy
Fortalecido pelo triunfo criativo de A Espinha do Diabo, del Toro regressou a Hollywood, mas desta vez nos seus próprios termos. Assumiu a direção da sequela de super-heróis e vampiros Blade II (2002), um projeto que lhe permitiu fundir a sua estética gótica e monstruosa com a ação de alta octanagem de um blockbuster. Cansado do clichê dos “heróis vitorianos torturados” e românticos, estava determinado a tornar os vampiros novamente assustadores. O filme foi um sucesso retumbante, arrecadando 155 milhões de dólares e provando que as suas sensibilidades únicas poderiam prosperar dentro de uma franquia de grande público. Ele trouxe o seu amor característico por efeitos práticos, design intrincado de criaturas — como os aterrorizantes “Reapers” com as suas mandíbulas divididas — e iluminação atmosférica e sombria para o mundo dos filmes de banda desenhada, criando o que muitos fãs consideram o ponto alto da trilogia.
Este sucesso proporcionou-lhe a influência na indústria para perseguir um projeto que ele acalentava há anos: uma adaptação da banda desenhada de Mike Mignola, Hellboy. A jornada para trazer o demónio de pele vermelha e língua afiada para o ecrã foi árdua, definida pela lealdade e integridade artística inabaláveis de del Toro. Durante sete anos, lutou contra estúdios que hesitavam sobre o projeto e, mais significativamente, sobre a sua escolha para o papel principal. Del Toro foi inflexível de que apenas um ator poderia personificar a alma da personagem: o seu amigo e colaborador frequente, Ron Perlman. Recusou-se a fazer o filme com qualquer outra pessoa, disposto a sacrificar o projeto inteiro em vez de comprometer o que ele sentia ser o seu coração.
A sua persistência valeu a pena. Hellboy foi lançado em 2004, seguido pela sequela ainda mais fantástica, Hellboy II: O Exército Dourado, em 2008. Os filmes são uma vitrine vibrante das paixões de del Toro. Estão repletos de efeitos práticos e designs de criaturas de cortar a respiração, muitos dos quais surgiram diretamente dos seus cadernos pessoais. Ele abordou estes filmes de franquia não como um realizador por encomenda, mas com a mesma paixão de autor que trouxe para o seu trabalho independente. Equilibrou a ação explosiva com um pathos genuíno e humor baseado nas personagens, humanizando o seu herói monstruoso e a sua família encontrada de “esquisitos”. Ao fazer isso, del Toro efetivamente esbateu a linha entre o cinema de arte e o multiplex, demonstrando que para ele, uma história sobre um monstro simpático era um empreendimento valioso, independentemente do orçamento.
A Obra-Prima: Por Dentro de O Labirinto do Fauno
Em 2006, Guillermo del Toro lançou o filme que viria a definir a sua carreira e a cimentar o seu estatuto como um dos mais importantes visionários do cinema mundial: O Labirinto do Fauno (El laberinto del fauno). Uma coprodução internacional entre Espanha e México, foi um projeto tão pessoal que del Toro investiu o seu próprio salário para garantir a sua conclusão. O filme é a síntese definitiva de todos os temas, influências e obsessões que moldaram a sua vida e obra até àquele momento.
A história, que se originou de vinte anos de ideias, desenhos e fragmentos de enredo colecionados nos seus cadernos meticulosamente mantidos, passa-se em 1944, cinco anos após a Guerra Civil Espanhola. Segue uma menina chamada Ofelia que viaja com a sua mãe grávida para um posto militar rural comandado pelo seu sádico novo padrasto, o Capitão falangista Vidal. Escapando da realidade brutal da sua nova vida, Ofelia descobre um labirinto antigo e um fauno misterioso, que lhe diz que ela é uma princesa há muito perdida do submundo. Para recuperar o seu reino, ela deve completar três tarefas perigosas.
O Labirinto do Fauno é uma mistura magistral e comovente de um conto de fadas sombrio, ao estilo dos irmãos Grimm, com a brutalidade inflexível da Espanha franquista do pós-guerra. O mundo da fantasia não é uma simples fuga da realidade, mas sim uma lente metafórica através da qual Ofelia processa e confronta os seus horrores. Os temas da escolha e da desobediência são centrais; Ofelia é constantemente testada, forçada a escolher entre a obediência cega a figuras autoritárias como Vidal e o Fauno, e a sua própria bússola moral inata. A criação mais aterrorizante do filme, o Homem Pálido, um devorador de crianças, é uma alegoria direta dos males institucionais do fascismo e da Igreja Católica cúmplice.
O filme estreou no Festival de Cannes de 2006, onde foi recebido com uma ovação de pé de 22 minutos, uma das mais longas da história do festival. Tornou-se um fenómeno global, arrecadando mais de 83 milhões de dólares com um orçamento modesto de 19 milhões e ganhando aclamação da crítica em todo o mundo. Recebeu seis nomeações aos Óscares, incluindo Melhor Argumento Original para del Toro, e ganhou três estatuetas por Fotografia, Direção de Arte e Maquilhagem. O filme foi a destilação perfeita de toda a sua identidade artística, o trabalho para o qual toda a sua carreira o preparou, e concedeu-lhe um imenso capital criativo para todos os seus futuros empreendimentos.
O Autor como Produtor e Colaborador
Após o sucesso monumental de O Labirinto do Fauno, a influência de del Toro expandiu-se muito para além do seu próprio trabalho como realizador. Solidificou o seu papel como uma força central e geradora na narrativa de fantasia moderna, usando a sua recém-descoberta influência para defender outros cineastas e expandir o seu universo criativo em múltiplas plataformas. O seu trabalho como produtor não é um biscate, mas uma extensão direta do seu impulso de construção de mundos. Incapaz de dirigir pessoalmente todas as histórias que capturam a sua imaginação — como o seu famoso projeto de paixão, nunca realizado, uma adaptação de Nas Montanhas da Loucura de H.P. Lovecraft — ele usa a sua influência para dar vida a mundos tematicamente alinhados.
Atuou como produtor e mentor em aclamados filmes de terror em espanhol como O Orfanato (2007), de J.A. Bayona, e Mamã (2013), de Andy Muschietti, nutrindo novos talentos dentro do género que ele ama. Tornou-se também uma força criativa chave na animação, atuando como produtor executivo em filmes da DreamWorks Animation como O Gato das Botas (2011), A Origem dos Guardiões (2012) e as sequelas de O Panda do Kung Fu. O seu alcance estendeu-se também a franquias de sucesso e à televisão. Depois de ser cotado para dirigir a adaptação cinematográfica de O Hobbit, acabou por se afastar da cadeira de realizador, mas permaneceu como co-argumentista creditado em todos os três filmes da trilogia de Peter Jackson, moldando a narrativa da Terra-média. Aventurou-se na televisão como co-criador e produtor executivo da série da FX The Strain (2014-2017), baseada na trilogia de romances de vampiros que ele coescreveu com Chuck Hogan. Para a Netflix, criou a extensa e amada franquia de animação Contos de Arcádia, que engloba as séries Caçadores de Trolls, 3 Entre Nós e Feiticeiros. Através destes diversos projetos, del Toro efetivamente cura um universo partilhado maior de fantasia sombria, usando o seu nome e recursos para construir o seu “gabinete de curiosidades” numa escala muito maior do que ele poderia alcançar sozinho.
Uma História de Amor Inconvencional: A Forma de um Óscar
Em 2017, Guillermo del Toro dirigiu o filme que lhe traria os maiores prémios da indústria: A Forma da Água. A génese do filme residia numa memória de infância — assistir a O Monstro da Lagoa Negra e desejar que o monstro e a protagonista feminina pudessem ter sucesso no seu romance. Décadas depois, deu vida a esse desejo num conto de fadas da era da Guerra Fria que se tornou a sua obra mais celebrada.
Ambientada em Baltimore em 1962, a história centra-se em Elisa Esposito, uma empregada de limpeza muda num laboratório secreto do governo. A sua vida de isolamento silencioso é transformada quando ela descobre o ativo mais sensível do laboratório: uma criatura humanoide anfíbia capturada no Rio Amazonas. À medida que ela forma um vínculo silencioso com a criatura, descobre um plano de um agente do governo sádico para a vivisseccionar. O filme é uma ode bela e melancólica aos excluídos, com a família encontrada de Elisa — o seu vizinho gay não assumido e a sua colega de trabalho afro-americana — a representar as vozes marginalizadas da época. Feito com um orçamento relativamente modesto de 19,5 milhões de dólares, A Forma da Água é uma aula de atmosfera e emoção, usando o seu cenário de 1962 como um “conto de fadas para tempos turbulentos” para comentar as ansiedades sociais e políticas dos dias atuais.
O filme estreou no Festival de Veneza, onde ganhou o Leão de Ouro, e tornou-se uma potência de crítica e prémios. A sua noite triunfante veio na 90ª edição dos Óscares. O filme, que havia recebido treze nomeações, ganhou quatro estatuetas, incluindo Melhor Design de Produção, Melhor Banda Sonora Original, Melhor Realizador para del Toro e o cobiçado prémio de Melhor Filme. Foi um momento marcante. Durante décadas, os filmes de género foram amplamente relegados a categorias técnicas pelas principais premiações. Com esta vitória, a Academia abraçou totalmente o argumento de longa data de del Toro: que uma história sobre um monstro, e um romance entre uma mulher e um “homem-peixe”, poderia ser tão profunda, artística e digna da mais alta honra da indústria quanto qualquer drama tradicional. A “matéria vil” que ele tanto estimava havia sido alquimicamente transformada em ouro cinematográfico aos olhos do establishment.
Uma Visão em Evolução: Noir, Animação e o Futuro
Nos anos seguintes ao seu triunfo nos Óscares, del Toro continuou a evoluir como artista, explorando novos géneros enquanto aprofundava as suas paixões mais antigas. Em 2021, lançou Nightmare Alley – Beco das Almas Perdidas, uma mudança significativa, pois foi o seu primeiro longa-metragem sem elementos sobrenaturais. Uma adaptação luxuosa e sombria do romance de William Lindsay Gresham de 1946, o filme é uma exploração pura e escura da ambição e depravação humanas, demonstrando a sua maestria no cinema noir clássico. Com o seu design de produção deslumbrante e uma atuação de tour-de-force de Bradley Cooper, o filme recebeu quatro nomeações aos Óscares, incluindo Melhor Filme, provando que o seu comando artístico se estendia para além do reino do fantástico.
Seguiu com um projeto que estava em gestação há mais de uma década: Pinóquio de Guillermo del Toro (2022). Regressando ao seu primeiro amor, a animação em stop-motion, reimaginou o conto clássico não como uma história infantil, mas como uma fábula sombria e profunda sobre vida, morte e desobediência, ambientada no contexto da Itália Fascista de Mussolini. O filme foi uma maravilha técnica e emocional, celebrado pela sua beleza artesanal e os seus temas maduros e antifascistas. Arrebatou a temporada de prémios, culminando noutra vitória no Óscar para del Toro, desta vez por Melhor Animação.
Esta vitória solidificou um novo caminho para o realizador. Ele afirmou que, após mais alguns filmes em imagem real, planeia dedicar o resto da sua carreira principalmente à animação, um meio que ele considera a “forma mais pura de arte” e a que oferece o maior controlo criativo. Para um cineasta obcecado pela construção meticulosa de mundos — um desejo nascido dos seus filmes de infância em Super 8 e solidificado pelo trauma da interferência dos estúdios — o stop-motion representa a fronteira final. É o único meio onde a mão do realizador está, literalmente, em cada fotograma, uma expressão direta e intransigente da sua vontade. Este pivô fecha o ciclo da sua jornada, do rapaz que animava os seus brinquedos em Guadalajara ao mestre que anima os seus bonecos num palco global.
Uma Paixão de uma Vida Ressuscitada: Frankenstein
Em 2025, del Toro está programado para lançar Frankenstein, um projeto que representa a culminação de uma obsessão artística de toda a vida. Para del Toro, a história não é apenas um clássico do género; é uma religião pessoal. Ele falou sobre ver o monstro de Boris Karloff quando criança e entender pela primeira vez “como era a aparência de um santo ou de um messias”. Esta conexão profundamente pessoal alimentou o seu desejo de adaptar o romance de Mary Shelley por décadas, à espera das condições certas para criar uma versão que pudesse reconstruir todo o mundo da história na escala adequada.
A sua visão para o filme não é a de um filme de terror convencional, mas sim uma “história incrivelmente emocional”. Ele visa recapturar a sensação de ler o romance pela primeira vez, antes que as suas personagens se tornassem caricaturas culturais. A narrativa focar-se-á na complexa relação entre criador e criação, explorando temas de paternidade e filiação que estão profundamente enraizados na própria vida de del Toro. O filme é protagonizado por Oscar Isaac como o brilhante e egoísta cientista Victor Frankenstein, com Jacob Elordi a assumir o papel da sua trágica criação. O elenco inclui também Mia Goth, Christoph Waltz e Charles Dance. O filme está programado para um lançamento limitado nos cinemas a 17 de outubro de 2025, antes de ser transmitido globalmente na Netflix a 7 de novembro de 2025. Del Toro descreveu o filme como o fim de uma era para ele, uma grande síntese das preocupações estéticas, rítmicas e empáticas que definiram o seu trabalho desde Cronos até ao presente.
O Santo Padroeiro da Imperfeição
A carreira de Guillermo del Toro é um testemunho do poder de uma visão singular e profundamente pessoal. A sua jornada de um rapaz obcecado por monstros em Guadalajara a um mestre celebrado de fábulas modernas foi definida por um compromisso inabalável com as suas crenças fundamentais. Ele consistentemente defendeu o excluído, o “outro” e o imperfeito, encontrando neles uma beleza comovente que reflete a nossa própria humanidade falha. O seu firme antiautoritarismo, seja direcionado à maquinaria do fascismo ou ao dogma da igreja, percorre como uma poderosa corrente subterrânea toda a sua obra. Ele é um autor no sentido mais verdadeiro, cujas preocupações temáticas e linguagem visual distinta são instantaneamente reconhecíveis. Os seus filmes são sombrios, mas esperançosos, grotescos, mas poéticos, e operam com o profundo entendimento de que os contos de fadas não são uma fuga da realidade, mas uma ferramenta vital para navegar nos seus cantos mais escuros.
Guillermo del Toro não apenas cria monstros; ele entende-os, ama-os e vê-os como os santos padroeiros de um mundo que precisa desesperadamente de abraçar as suas imperfeições. Ao fazê-lo, apresenta-nos um espelho maravilhosamente estranho e profundamente empático para o monstruoso e o mágico dentro de todos nós.
