O novo filme tailandês Mesmo Dia, Mesma Pessoa apresenta-se, à superfície, como uma comédia romântica construída em torno do familiar tropo cinematográfico da ansa temporal. A premissa é direta: uma jovem privilegiada é forçada a reviver o pior dia da sua vida até encontrar uma forma de quebrar o ciclo. Embora as comparações com obras canónicas do subgénero, como O Feitiço do Tempo, sejam inevitáveis, tais paralelos revelam-se redutores. O filme, uma produção da Netflix com uma duração de 118 minutos, demonstra uma agenda mais deliberada e ambiciosa. Utiliza a estrutura acessível de uma comédia romântica de alto conceito não como um fim em si mesma, mas como um sofisticado veículo narrativo para uma exploração matizada e profundamente sentida do trauma psicológico e da recuperação. A intenção declarada dos cineastas de criar uma obra que se destaque do género é evidente desde os seus fundamentos conceptuais. O argumento, da autoria de Rangsima Akarawiwat, nasceu da experiência de consolar uma amiga de coração partido, o que levou à decisão consciente e explícita de alegorizar as cinco fases do luto dentro da estrutura iterativa de uma ansa temporal. Isto posiciona o filme como uma subversão ponderada do seu género, usando a mecânica da repetição para mapear o complexo e não linear processo de cura.
A arquitetura deste dia que se repete é meticulosamente concebida para desconstruir a vida meticulosamente construída da protagonista. Somos apresentados a Mesa Worathepanant, uma curadora da alta sociedade cuja existência é um testemunho de ordem, prestígio e controlo. O seu dia catastrófico, 8 de agosto de 2025, desenrola-se como um duplo ataque à sua identidade. Primeiro, o noivo dos seus sonhos, uma figura arrojada interpretada por Trisanu Soranun, termina abruptamente a relação, estilhaçando a sua narrativa pessoal de um futuro perfeito. Concomitantemente, ela sofre um cataclismo profissional quando um artefacto de valor incalculável sob a sua responsabilidade, a sagrada Pedra de Sirisila, é danificado. Esta confluência de fracassos pessoais e profissionais cria o cadinho no qual ela fica presa. A escolha da profissão é tematicamente ressonante; a vocação de um curador é a preservação e organização de objetos, a construção cuidadosa de narrativas em torno do valor e da história. A vida de Mesa é, em essência, uma exposição curada de sucesso. A ansa temporal, portanto, torna-se a antítese final do seu ser, um estado de profunda impotência que força esta mestra do controlo a confrontar uma realidade caótica que já não consegue arranjar, catalogar ou conter.
No seu cerne, o filme funciona como uma convincente exteriorização de um processo psicológico interno. O artifício narrativo da ansa temporal fornece uma gramática visual e tangível para a experiência emocional abstrata do luto. O argumento de Rangsima Akarawiwat transforma o modelo de Kübler-Ross numa série de ações narrativas, permitindo que o público testemunhe a jornada de Mesa através da negação, raiva, negociação, depressão e eventual aceitação, não como um monólogo interior, mas como uma sequência de experiências observáveis de tentativa e erro. Nas primeiras voltas, as suas ações são provavelmente caracterizadas por uma negação frenética, tentando remediar os desastres do dia com soluções superficiais. À medida que a futilidade desta abordagem se torna clara, o seu comportamento muda, passando por ciclos de raiva destrutiva e negociação desesperada com o universo e as figuras que povoam o seu dia. Segue-se um período de resignação apática, um análogo claro da depressão, antes de ela começar a abordar o dia que se repete não como uma prisão da qual escapar, mas como um quebra-cabeças a ser compreendido. Esta escolha estrutural permite ao filme explorar a natureza muitas vezes repetitiva do processamento do trauma, onde o progresso nem sempre é linear. O objetivo declarado da produção era oferecer algo tão reconfortante como o abraço de um amigo, e consegue-o ao desmistificar o processo de cura, apresentando-o como uma jornada difícil, mas navegável, em direção a uma nova perspetiva sobre os desafios da vida.
Esta narrativa psicológica é apoiada por uma mise-en-scène rica e simbólica. O filme é ambientado no país fictício de Chinlin, uma escolha deliberada de construção de mundo que desvincula a história de uma realidade contemporânea específica e a situa num espaço ligeiramente mitificado, quase fabuloso, onde um evento alegórico como uma ansa temporal parece mais plausível. A estética de Chinlin é uma composição inspirada na arte de diversos países da Ásia Oriental, criando uma paisagem visual única. Central neste mundo é o grandioso e realista Museu Worathepanant, que funciona como uma potente metáfora da própria psique de Mesa: exteriormente perfeito, ordenado e impressionante, mas contendo um núcleo frágil prestes a estilhaçar-se. O design de produção está repleto do que os cineastas descrevem como simbolismo oculto, convidando a uma visualização atenta. O mais significativo destes é a venerada estátua da Deusa da Fita Vermelha, um objeto cujo design, inspirado na arte tibetana, incorpora uma fita vermelha atada num símbolo do infinito. Esta é uma articulação visual direta do tema central do filme sobre os ciclos intermináveis, uma pista não-verbal que reforça a situação da protagonista. Até o guarda-roupa de Mesa está imbuído de significado, cada conjunto reflete o seu estado inicial de perfeição curada e muda subtilmente à medida que a sua paisagem interna se transforma. Os elementos estéticos não são meramente decorativos; são componentes integrais da arquitetura temática do filme.
O formidável desafio desta estrutura narrativa recai sobre os intérpretes, mais notavelmente sobre a atriz principal, Jarinporn Joonkiat. Uma figura talentosa e premiada do cinema tailandês, a tarefa de Joonkiat é retratar uma personagem que é externamente estática, mas internamente dinâmica. A sua atuação deve funcionar como um palimpsesto, onde cada iteração do dia é sobreposta com o peso psicológico cumulativo de todas as voltas anteriores. Ela deve transmitir a crescente frustração, o desespero e a eventual sabedoria adquirida a cada fracasso, garantindo que o público perceba os vestígios das tentativas passadas sob a superfície de cada “novo” dia. A sua interpretação da bondade brilhante e genuína de Mesa torna-se a linha de base contra a qual a sua transformação é medida. O catalisador para esta transformação surge na forma de Ben, um cativante e nerd colega curador interpretado por Warintorn Panhakarn, um veterano dos dramas televisivos tailandeses. Na sua primeira parceria no ecrã, a dinâmica deles fornece a âncora emocional do filme. Ben representa a única variável significativa na equação repetitiva de Mesa, a pessoa com quem ela pode forjar um novo padrão de interação. O arco narrativo é impulsionado pela sua relação em evolução com ele ao longo das voltas, passando da rejeição inicial para uma dependência e ligação graduais. O elenco de apoio, que inclui Charlette Wasita Hermenau como a importante colega de Mesa e Jaturong Phonboon com o seu brilhantismo cómico, contribui para uma química genuína que ancora a premissa de alto conceito numa interação humana credível, uma marca dos estilos de atuação tailandeses que muitas vezes procuram um “tornar-se” naturalista da personagem.
Em última análise, Mesmo Dia, Mesma Pessoa é uma obra de notável maturidade artística para os seus principais criadores. O realizador Yanyong Kuruangkura, cujos filmes anteriores como App War e Mother Gamer misturaram habilmente comédia com comentário social contemporâneo, vira-se com sucesso para uma narrativa mais interna e focada nas personagens. A parceria criativa estabelecida com a argumentista Rangsima Akarawiwat, que também escreveu App War, permite-lhes aplicar a sua comprovada facilidade para premissas envolventes e de alto conceito a um tema de maior profundidade emocional. O filme cumpre a ambição de Kuruangkura de criar algo que se destaque da comédia romântica típica, usando os tropos do género como base para uma investigação mais profunda sobre a capacidade humana de resiliência. É uma história otimista, mas que conquista o seu calor através de um exame ponderado da dor. A mensagem final do filme é de um otimismo terapêutico: as ansas aparentemente inescapáveis das nossas vidas, quer nascidas do luto ou da rotina, não são meras prisões, mas podem ser cadinhos para reavaliação, crescimento e a descoberta de novas ligações. Esta aventura comovente está disponível para streaming mundial na Netflix. O filme foi lançado a 18 de setembro.
