O zumbido fluorescente do escritório em open-space substituiu a hacienda como o palco principal do conflito de classes no México. No imaginário cultural contemporâneo, a sala de reuniões já não é apenas um local de comércio; é uma arena de gladiadores onde as rígidas estratificações de uma sociedade pós-colonial colidem com o mito neoliberal da meritocracia. Com a chegada da nova série Amor das Nove às Cinco (conhecida localmente como Amor de oficina) à gigante do streaming Netflix, essa fricção recebe um verniz brilhante de elevada gama dinâmica, embalada como uma comédia romântica mas operando, talvez inadvertidamente, como uma crítica aguçada à condição de “Godínez” face à aristocracia “Mirrey”.
A premissa da série, criada pela prolífica showrunner Carolina Rivera, parece inicialmente percorrer um terreno familiar: o tropo de “inimigos a amantes” transplantado para a cúpula diretiva. No entanto, descartá-la como um mero exercício de género seria ignorar as ansiedades industriais e sociais específicas que codifica. Ambientada no mundo de apostas elevadas e alta elasticidade de um grande fabricante de roupa interior, a narrativa segue Graciela e Mateo, dois executivos que disputam o trono de CEO. A sua rivalidade não é apenas profissional; é a colisão de dois Méxicos distintos. Graciela representa a classe média aspiracional, a mulher que acredita que a competência é uma moeda de troca. Mateo, o filho do dono, encarna o privilégio dinástico que ainda governa grande parte da paisagem corporativa latino-americana.
O que distingue esta produção das suas antecessoras é a recusa em evitar a toxicidade inerente ao seu cenário. Embora use a máscara de uma sitcom — completa com diálogos rápidos e situações absurdas —, os seus subtextos lidam com a mercantilização da intimidade, a precariedade do trabalho e a performance da “nova masculinidade” em espaços historicamente dominados pelo machismo. Como parte da iniciativa multimilionária da Netflix “Que México Se Vea”, a série serve como um teste decisivo para a estratégia da plataforma: podem histórias hiperlocais sobre a rotina mundana da vida de escritório traduzir-se para um público global ávido por conteúdo que pareça autêntico, porém acessível?
A sociologia do cubículo: Desconstruir o Godínez
Para compreender a mecânica narrativa de Amor das Nove às Cinco, é preciso primeiro entender o arquétipo cultural que ela centraliza: o “Godínez”. Na gíria mexicana, este termo refere-se ao funcionário de escritório assalariado, uma figura definida pela sua rotina, pelas suas marmitas (tupperware), pela sua navegação através da burocracia pública e pela sua total dependência da quincena (dia de pagamento). Historicamente, o Godínez tem sido uma figura de ridicularização na cultura pop, um símbolo de conformismo e falta de agência. No entanto, mudanças culturais recentes viram uma reivindicação desta identidade, com o Godínez a emergir como o protagonista da sua própria história, o sobrevivente resiliente de um sistema projetado para o explorar.
Graciela, interpretada por Ana González Bello, é a apoteose desta identidade Godínez reivindicada. Ela não é uma engrenagem passiva; é uma operadora hipercompetente que entende a maquinaria do escritório melhor do que aqueles que a possuem. O guião posiciona a sua ambição não como uma falha de caráter, mas como um mecanismo de sobrevivência. Num mercado de trabalho definido pela informalidade e estagnação, o seu desejo pelo cargo de CEO é uma afirmação radical de valor. A prestação de González Bello destaca a exaustão inerente a esta escalada; a sua Graciela é uma mulher que precisa de correr duas vezes mais rápido para permanecer no mesmo lugar, uma realidade que ressoa profundamente com a força de trabalho feminina no México.
Inversamente, o ambiente de escritório retratado na série — repleto de “cusquices de corredor”, “bolos de aniversário” e “máquinas de café avariadas” — serve como um microcosmo do próprio Estado mexicano: um lugar onde as regras oficiais são constantemente contornadas por redes sociais informais. O colapso da infraestrutura (a máquina de café) e a ritualização dos eventos sociais (o bolo) não são apenas piadas de fundo; são a textura de uma sociedade onde as instituições muitas vezes falham e as ligações pessoais são a única rede de segurança.
O dilema do ‘Nepo Baby’: Subverter o Mirrey
Se Graciela é a heroína da meritocracia, Mateo é o vilão do nepotismo — pelo menos no papel. Interpretado por Diego Klein, Mateo é o “Mirrey”, um arquétipo social associado à riqueza ostentatória, ao sentido de direito adquirido e a uma desconexão das realidades da classe trabalhadora. O discurso do “nepo baby”, que dominou as manchetes globais de entretenimento nos últimos anos, encontra uma expressão particularmente aguda no México, um país onde o apelido é frequentemente um indicador de sucesso mais fiável do que a educação ou o talento.
No entanto, Amor das Nove às Cinco tenta uma desconstrução matizada desta figura. Em vez de apresentar Mateo como um antagonista unidimensional, a série explora o fardo do legado. O Mateo de Klein está ciente do rótulo de “nepo baby” e do ressentimento que este gera. O seu arco é de competência performativa; ele deve provar que é mais do que o seu ADN. Isto introduz uma tensão que é central para o motor romântico da série: pode o amor existir através do abismo de classes quando as dinâmicas de poder são tão fortemente desequilibradas?
A série postula que Mateo representa uma “nova masculinidade”, uma que rejeita o estilo autoritário dos seus antecessores. Ele não é o chefe que grita; é o executivo de fala mansa e charmoso que usa o soft power. No entanto, a série pede ao público que questione se essa é uma evolução genuína ou apenas uma reformulação da marca do poder patriarcal. Ao envolver-se numa competição direta com Graciela, Mateo é forçado a confrontar o seu próprio privilégio. A disputa pela posição de CEO, orquestrada pelo pai e proprietário, retira as proteções do seu estatuto, nivelando teoricamente o campo de jogo.
A economia da intimidade: A metáfora da roupa interior
A escolha da indústria está longe de ser acidental. Ao situar a guerra corporativa dentro de uma empresa de roupa interior, os criadores vinculam explicitamente o profissional ao privado. A roupa interior é a camada mais próxima da pele; é a mercadoria da vulnerabilidade. As personagens estão envolvidas no negócio de embalar e vender desejo, conforto e autoimagem. Isto fornece um rico veio de potencial metafórico que a série explora extensivamente.
A linha “Lua de Mel”, um projeto-chave dentro da narrativa, atua como um crisol para os protagonistas. Para lançar esta linha, eles devem entender a intimidade, forçando-os a violar a distância profissional que tentam manter. O diálogo captado nos materiais promocionais — “se aguentam o Twister, aguentam a lua de mel” — sinaliza uma mercantilização do romance que é tanto cínica quanto hilariante. As personagens tratam a paixão como um teste de stress, uma funcionalidade do produto a ser projetada e comercializada.
Este cenário também permite uma linguagem visual que contrasta a esterilidade da sala de reuniões com a sensualidade do produto. A “aventura tórrida de uma noite” que precede a rivalidade profissional é o incidente incitante que colapsa estes dois mundos. Num drama corporativo padrão, o sexo é frequentemente uma distração; aqui, é o negócio. As personagens não podem escapar à sua atração física porque ela é espelhada nos manequins, nas amostras de tecido e nas campanhas de marketing que as rodeiam.
Arquitetura criativa: O toque Rivera
A showrunner Carolina Rivera esculpiu um nicho na paisagem do streaming como uma criadora que entende a hibridez do público mexicano moderno. As suas obras anteriores, como Mãe Há Só… Duas (Madre solo hay dos), demonstraram um talento para misturar premissas de alto conceito com ritmos emocionais fundamentados. Em Amor das Nove às Cinco, Rivera aplica esta fórmula à comédia de local de trabalho. O resultado é uma mistura tonal que o elenco descreveu como “sitcom telenovelesca”.
Este género híbrido é significativo. Rejeita a estrutura puramente episódica de “botão de reset” da sitcom americana (onde o status quo é restaurado ao final de cada episódio) em favor dos arcos serializados e emocionais da telenovela. Os relacionamentos mudam, os segredos têm consequências e as apostas são melodramáticas. No entanto, o ritmo é frenético, o diálogo é afiado e a linguagem visual é distinta da novela. A escrita de Rivera prioriza a fricção entre as personagens, usando o tropo de “inimigos a amantes” não apenas para o romance, mas para explorar a fricção entre visões de mundo opostas.
A realização, supervisionada por veteranos da indústria como Fernando Sariñana ao lado de talentos mais jovens como Sebastián Sariñana e Nadia Ayala Tabachnik, reflete esta dualidade. A experiência de Fernando Sariñana com o cinema socialmente consciente fundamenta a crítica de classes da série, enquanto os realizadores mais jovens infundem a série com uma energia cinética que se adapta à economia da atenção da era do streaming. O resultado é um produto que parece polido, caro e culturalmente específico.
A linguagem visual do neoliberalismo
Visualmente, a série afasta-se da iluminação plana e brilhante da televisão tradicional. Utilizando cinematografia digital de ponta — provavelmente sistemas Alexa 35 ou Sony Venice favorecidos pelas produções de topo da Netflix —, a série cria uma estética de escritório que é ao mesmo tempo sedutora e alienante. O uso de azuis frios e cinzentos nos espaços de escritório enfatiza a lógica fria do capitalismo corporativo, enquanto tons mais quentes e suaves são reservados para os momentos privados das personagens, reforçando visualmente a barreira entre o “profissional” e o “humano”.
O trabalho de câmara frequentemente isola Graciela no enquadramento, enfatizando a sua luta singular contra o monólito corporativo. Em contraste, Mateo é frequentemente enquadrado em espaços de lazer ou poder — atrás de grandes secretárias, em apartamentos espaçosos — destacando o espaço que a riqueza proporciona. As sequências da linha “Lua de Mel” introduzem um vocabulário visual diferente, de foco suave e imagética tátil, interrompendo a esterilidade corporativa.
O contexto industrial: O gambito mexicano da Netflix
Amor das Nove às Cinco chega num momento crucial para a indústria audiovisual mexicana. O investimento agressivo da Netflix na região é impulsionado pela necessidade de capturar o mercado latino-americano, que está cada vez mais fragmentado entre concorrentes como a Amazon Prime Video, a Disney+ e a HBO Max. A campanha “Que México Se Vea” é uma declaração de intenções: a Netflix quer ser a casa principal das histórias mexicanas.
Esta estratégia envolve um afastamento do “narco-drama” que definiu a década anterior de exportações mexicanas. A plataforma aposta que o público global está pronto para ver um México definido pela ambição urbana em vez da violência rural. Ao investir em comédias como Amor das Nove às Cinco, a Netflix diversifica o seu portfólio, oferecendo “conteúdo de conforto” ao lado dos seus dramas de prestígio mais crus. A produção simultânea de La Oficina da Amazon Prime (uma adaptação localizada de The Office) e Amor das Nove às Cinco da Netflix sinaliza uma “batalha das comédias de escritório”, com cada plataforma a oferecer um sabor diferente de sátira do local de trabalho.
Performance e arquétipo: O elenco
Além dos protagonistas, a série conta com um elenco forte para dar corpo ao seu mundo. A interpretação de Manuel Calderón como Gutiérrez, o homem comum do escritório, fornece a perspetiva essencial do “coro grego”. Gutiérrez representa o funcionário que viu executivos entrarem e saírem, cuja lealdade principal é à sua própria sobrevivência. Calderón descreve a personagem como uma mistura de sátira e empatia, um fio terra necessário para o drama de alta voltagem dos protagonistas.
Veteranos como Alexis Ayala e Marco Treviño trazem o peso da autoridade aos papéis da alta administração, encarnando a “velha guarda” que Graciela e Mateo devem navegar. A presença deles liga a série à linhagem da história da televisão mexicana, enquanto os membros mais jovens do elenco, incluindo Martha Reyes Arias e Paola Fernández, representam a nova geração de talentos criada na era do streaming.
Veredicto crítico
Amor das Nove às Cinco é uma série que sabe exatamente o que é: uma comédia romântica elegante, divertida e culturalmente ressonante que usa o local de trabalho como uma lente para examinar a vida mexicana moderna. Pode não oferecer soluções radicais para os problemas de desigualdade ou sexismo, mas reconhece-os com uma franqueza que é refrescante para o género. Ao centrar a história numa mulher que exige reconhecimento pelo seu trabalho e num homem que deve desaprender o seu sentido de direito adquirido, a série oferece uma fantasia de progresso que é sedutora, embora otimista.
É uma série sobre as máscaras que usamos das nove às cinco, e o que acontece quando essas máscaras caem. No final, a série sugere que a coisa mais perigosa no mundo corporativo não é uma aquisição hostil ou um colapso do mercado, mas uma ligação humana genuína.
A série estreou a 1 de janeiro de 2026.
