A nova série sul-coreana Aema foi lançada globalmente na plataforma de streaming Netflix, apresentando uma comédia dramática histórica que mergulha num dos períodos mais turbulentos e contraditórios da história cultural moderna da nação. Ambientada no coração da indústria cinematográfica coreana, conhecida como Chungmuro, no início da década de 1980, a série de seis episódios constrói uma narrativa ficcional em torno da produção de um filme real e historicamente significativo: o longa-metragem erótico de 1982, Madame Aema. Este filme foi um sucesso de bilheteira que inaugurou efetivamente um boom no cinema erótico, um género que viria a definir grande parte da produção cinematográfica popular da década. A série, no entanto, utiliza este evento histórico não como tema de uma biografia cinematográfica, mas como um catalisador para explorar as pressões sistémicas, as políticas de género e os compromissos artísticos que definiram o cinema sob um regime autoritário. A narrativa é impulsionada pelas trajetórias entrelaçadas de duas mulheres em extremos opostos do espectro profissional. Jung Hee-ran, interpretada por Lee Hanee, é uma atriz consagrada e premiada no auge da sua carreira, que, no entanto, luta para redefinir a sua imagem pública e escapar do estereótipo que lhe trouxe fama. Oposta a ela está Shin Joo-ae, uma novata ferozmente ambiciosa interpretada por Bang Hyo-rin, que começa a série como uma dançarina de sapateado numa discoteca com aspirações ao estrelato. O conflito central é despoletado quando Hee-ran, num ato decisivo de autopreservação profissional, recusa o papel principal em Madame Aema após analisar um guião repleto do que ela considera cenas de nudez excessivas e gratuitas. Essa recusa cria um vácuo que a oportunista Joo-ae preenche avidamente, ganhando o papel e preparando o palco para uma complexa rivalidade profissional. Esta dinâmica desenrola-se dentro de uma indústria dominada por homens, onde a agência feminina é perpetuamente contestada, estabelecendo o terreno temático central da série desde os seus momentos iniciais. A classificação da série como uma comédia dramática é um indicador crucial da sua estratégia tonal e intelectual. Em vez de abordar o seu tema sério com solenidade pura, Aema emprega elementos cómicos e satíricos para dissecar os absurdos das estruturas de poder e dos costumes sociais da época, posicionando a obra como um sofisticado comentário crítico, em vez de um melodrama histórico direto.
O Cenário Paradoxal de Chungmuro nos Anos 1980
Para compreender plenamente as pressões narrativas que moldam as personagens em Aema, é preciso entender o cenário sociopolítico único e profundamente paradoxal da Coreia do Sul no início dos anos 1980. A série passa-se durante o regime militar autoritário do presidente Chun Doo-hwan, cujo governo de 1980 a 1988 é lembrado como um dos períodos mais sombrios da história moderna da nação, uma era de intensa repressão política e liberdades civis cerceadas. Nas representações cinematográficas, este período é quase invariavelmente retratado com uma paleta visual sombria, caracterizada por cores suaves e sombras pesadas, refletindo o clima nacional opressivo, como visto em filmes como 12.12: O Dia e 1987: Quando o Dia Chegar. O governo de Chun, procurando reprimir a dissidência pública e desviar a atenção das suas atividades políticas, implementou o que foi descrito como a “Política dos 3S”: uma promoção patrocinada pelo Estado de Ecrã (cinema), Sexo (erotismo na cultura popular) e Desportos. Embora exista algum debate histórico sobre a codificação formal desta política, a série postula-a como um instrumento calculado de pacificação política, projetado para fornecer às massas entretenimento e válvulas de escape. Um componente chave desta estratégia foi o incentivo ativo à indústria de filmes eróticos. O levantamento de um recolher obrigatório nacional de 36 anos em 1982 criou um novo mercado para o entretenimento noturno, levando ao surgimento dos “filmes da meia-noite”, dos quais Madame Aema foi o primeiro e mais explosivo sucesso. No entanto, esse incentivo estatal ao conteúdo sexual foi acompanhado por uma força igualmente poderosa e contraditória: um sistema de censura estatal rigoroso e muitas vezes arbitrário. Os cineastas viram-se num ambiente criativo volátil e esquizofrénico. Eram pressionados pela política governamental e pela procura do mercado para produzir conteúdo sexualmente explícito, mas, ao mesmo tempo, estavam sujeitos aos caprichos imprevisíveis dos censores, que podiam exigir cortes ou alterações, efetivamente privando-os da sua liberdade de expressão. Esta contradição fundamental não é meramente um pano de fundo histórico em Aema; ela funciona como o principal motor da narrativa. As pressões externas que atingem as personagens — desde as exigências implacáveis do produtor por nudez para atender às expectativas comerciais, ao desejo do realizador de criar arte em meio ao comercialismo grosseiro, até às lutas dos atores com cenas exploradoras — são todas consequências diretas desta política estatal paradoxal. A série postula que, nesta era, as vidas pessoais e profissionais dos artistas estavam inextricavelmente ligadas às maquinações políticas de um estado autoritário, criando um microcosmo das tensões sociais mais amplas da época.
Uma Narrativa de Rivalidade e Solidariedade
O núcleo dramático de Aema reside na relação intrincada e evolutiva entre as suas duas protagonistas femininas, cujas jornadas pessoais e profissionais servem como uma lente poderosa através da qual a série examina as políticas de género do cinema coreano dos anos 1980. A narrativa traça meticulosamente a sua dinâmica à medida que se transforma de uma rivalidade acirrada numa aliança resiliente e significativa. O arco da personagem de Jung Hee-ran é de resistência e recuperação. Interpretada por Lee Hanee, ela é uma estrela de primeira linha que construiu a sua carreira nos populares “filmes de anfitriã” dos anos 1970, filmes que frequentemente apresentavam empregadas de bar e prostitutas, consolidando a sua imagem como um símbolo sexual. Agora, num ponto crucial da sua carreira, ela está determinada a ir além dessa persona e ser reconhecida apenas pelo seu talento de representação. A sua recusa ao papel principal em Madame Aema não é um ato de puritanismo, mas de calculada autodeterminação profissional, uma posição contra ser ainda mais estereotipada e explorada. Este ato de desafio, no entanto, não lhe concede liberdade. Ela está contratualmente ligada ao produtor do filme, o odioso e manipulador Gu Joog-ho (Jin Seon-kyu), que usa uma lacuna no seu acordo para a forçar a um humilhante papel secundário no mesmo filme que ela rejeitou. Isto força-a a navegar na produção a partir de uma posição comprometida, culminando em momentos de confronto explosivo, incluindo uma altercação física com o produtor e a promessa desafiadora: “Joong-ho, vamos para o inferno”. Em nítido contraste, o arco de Shin Joo-ae é um bildungsroman de ambição e desilusão. Interpretada pela novata Bang Hyo-rin, Joo-ae é uma personagem de ambição crua, uma dançarina de sapateado que vê o papel principal vago em Madame Aema como uma oportunidade única na vida. Ela audaciosamente declara a sua intenção de se tornar “a próxima Jeong Hee-ran”, sinalizando o seu desejo de suplantar o seu ídolo. Inicialmente, ela está disposta a fazer o que for preciso para ter sucesso, incluindo cumprir as exigências exploradoras da indústria. No entanto, à medida que a produção avança, as suas ilusões são sistematicamente destruídas. Ela é confrontada com a realidade do seu papel, forçada a realizar “cenas explícitas sem sentido” ditadas por produtores e censores, e experiencia em primeira mão a misoginia generalizada da indústria. A sua jornada é dolorosa, mas transformadora, levando-a de uma ambição ingénua a uma consciência crítica desenvolvida sobre o sistema que ela procurava conquistar.
Inicialmente, a relação entre as duas mulheres é definida pelo atrito. Hee-ran, insegura por ter sido deixada de lado e ressentida com a sua substituta, “dificulta a vida” da novata no set. No entanto, à medida que ambas suportam as maquinações dos homens no poder, a sua experiência partilhada de opressão sistémica começa a forjar um vínculo improvável. A sua rivalidade lentamente dá lugar a uma “solidariedade gentil”. Elas passam a reconhecer que o seu verdadeiro inimigo não são uma à outra, mas o sistema patriarcal que as coloca umas contra as outras por migalhas de poder e respeito. Esta evolução de antagonistas para aliadas, unidas numa determinação partilhada de lutar contra a exploração, forma o coração emocional e temático da série. Esta jornada é emoldurada pelas ações das personagens masculinas que representam as forças corruptoras da indústria. Gu Joog-ho, o CEO da Shinsung Films, é a personificação do comercialismo cínico. Descrito como um “produtor obscuro” que “não pararia por nada para sobreviver” no mundo competitivo de Chungmuro, ele vê os seus atores como mercadorias e a arte como um produto a ser vendido. O seu contraponto é o realizador novato, Kwak In-woo (Cho Hyun-chul). Caracterizado como “tímido”, “desajeitado” e “retraído”, In-woo é um aspirante a artista que quer fazer um filme com “erotismo subtil”, mas vê-se preso entre a sua própria visão criativa e o clamor incessante do produtor por “seios intermináveis”. Ele representa o artista comprometido, lutando para manter a integridade dentro de um sistema voltado para a exploração. A série emprega uma estrutura narrativa sofisticada onde o filme-dentro-do-filme se torna um potente metacomentário sobre a agência feminina. As lutas no ecrã das personagens de Madame Aema espelham diretamente as batalhas fora do ecrã das atrizes que as interpretam. Como observa uma análise, “Transmutado através do processo de filmagem, o desejo sexual no ecrã das protagonistas de Madame Aema torna-se o desejo de agência das atrizes que as retratam”. A luta de Hee-ran contra a realização de cenas de nudez e o desconforto de Joo-ae com o conteúdo gratuito não são meros pontos da trama; são argumentos temáticos sobre o controlo e a objetificação do corpo feminino tanto no cinema quanto na sociedade em geral. Além disso, a série faz uma escolha estrutural subversiva na sua alocação de tom. A narrativa dramática principal — a complexa jornada emocional da rivalidade à solidariedade diante do abuso sistémico — é carregada quase exclusivamente pelas duas protagonistas femininas. Em contraste, os membros masculinos do elenco são em grande parte responsáveis pelos elementos cómicos, que muitas vezes surgem da sua grosseria e da comédia de constrangimento ao dirigir e filmar as cenas eróticas. Ao tornar as figuras masculinas de autoridade os principais objetos de sátira e as figuras femininas os sujeitos de um drama sério e convincente, a série inverte subtilmente as dinâmicas de poder narrativas tradicionais, centrando a experiência feminina e usando o humor para criticar os próprios fundamentos do sistema patriarcal.
A Visão de Autor de Lee Hae-young
Aema marca a estreia na televisão do argumentista e realizador Lee Hae-young, um cineasta cujo corpo de trabalho estabelecido no cinema fornece um contexto claro para as ambições estilísticas e temáticas da série. Um exame da sua filmografia revela um autor com uma voz distinta, caracterizada pela fluidez de género, uma sensibilidade visual refinada e uma preocupação consistente com personagens que navegam por estruturas sociais opressivas. Os seus filmes anteriores abrangeram vários géneros, desde a ação criminal de Believer (2018) e o thriller de espionagem Phantom (2023) até ao mistério de terror de The Silenced (2015) e as comédias Foxy Festival (2010) e Like a Virgin (2006). Ao longo destes projetos variados, o seu trabalho foi elogiado pela sua “narrativa original”, “direção sensível e subtil” e uma sofisticada mise-en-scène que combina ação forte com caracterizações altamente distintas. As preocupações temáticas de Aema não são novas no trabalho de Lee. O seu filme mais recente, Phantom, que também estrelou Lee Hanee, foi notado pelo seu foco na “solidariedade das mulheres numa sociedade sufocantemente patriarcal”, um tema que é central nesta nova série. Nesse sentido, Aema pode ser vista como uma continuação e expansão dos seus interesses artísticos, aplicando as suas sensibilidades cinematográficas ao formato episódico da televisão. Talvez a assinatura autoral mais marcante em Aema seja a sua estética visual deliberada e altamente estilizada. A série rejeita conscientemente a linguagem visual convencional usada para representar a era de Chun Doo-hwan. Em vez das esperadas “paletas suaves” e “sombras espessas” que significam opressão política, Lee Hae-young constrói os anos 1980 como um mundo “deslumbrante” e “voluptuoso”, um “banquete de cores caleidoscópicas e moda fabulosa”. Isto não é um ato de romantização nostálgica, mas uma estratégia crítica calculada. O próprio realizador articulou a intenção por trás desta escolha, afirmando que quanto mais “deslumbrantes os sons e as imagens parecerem na superfície, mais claramente a violência daquela era bárbara se manifestaria como uma mensagem”. Esta escolha estética funciona como uma forma de revisionismo histórico. Argumenta visualmente que a brutalidade da era não era apenas uma questão de repressão política aberta, mas também era mascarada pela superfície vistosa e distrativa de uma cultura de entretenimento de massa patrocinada pelo estado. A estética vibrante força o espectador a confrontar a profunda dissonância entre a florescente e colorida indústria cultural e a sombria realidade política que ela foi projetada para ocultar. Esta estratégia visual torna a opressão subjacente mais insidiosa, destacando a hipocrisia no cerne da Política dos 3S.
A série também chega como parte de uma conversa maior dentro do cinema sul-coreano contemporâneo. Ela partilha um notável ADN estilístico e temático com outros filmes recentes que reexaminam o passado cinematográfico da nação. A sua premissa tem forte semelhança com Cobweb (2023) de Kim Jee-woon, uma metacomédia e farsa afetuosa que satiriza os egos e as inseguranças de uma equipa de filmagem nos anos 1970. Usando uma estrutura de filme-dentro-do-filme, Cobweb segue um realizador frustrado enquanto ele luta contra executivos de estúdio e censores do governo ao tentar refilmar o final do seu filme. Além disso, o brilho visual de Aema e a escalação de Lee Hanee num papel que desconstrói arquétipos femininos ecoam o filme cult Killing Romance (2023) de Lee Won-suk. Essa comédia negra musical e absurda também utilizou um estilo vibrante e surrealista e um enredo sombriamente cómico para explorar a libertação de uma mulher de um homem abusivo e controlador, enquanto criticava a cultura das celebridades. O surgimento destes filmes sugere que Aema não é uma obra isolada, mas uma entrada chave num subgénero em desenvolvimento de peças de época autorreflexivas. Este movimento vê cineastas coreanos contemporâneos empenhados num diálogo crítico com a sua própria história nacional e cinematográfica, usando as ferramentas de género, estilo e metanarrativa para reinterrogar os traumas e as contradições do passado a partir de uma perspetiva moderna.
Uma Lente Ficcional sobre a Verdade Histórica
Embora Aema esteja profundamente enraizada num momento histórico específico, é crucial entender a sua relação com o registo factual. A série é uma obra de ficção histórica, não um documentário ou uma biografia cinematográfica. O filme de 1982 Madame Aema foi um fenómeno cultural real e massivamente influente, liderando as bilheteiras e gerando uma dúzia de sequelas diretas e numerosos outros spin-offs. No entanto, as personagens que povoam a série — das atrizes Jung Hee-ran e Shin Joo-ae ao produtor Gu Joog-ho e ao realizador Kwak In-woo — são criações inteiramente ficcionais. O realizador Lee Hae-young reconheceu ter-se inspirado nas experiências documentadas de atrizes daquela época, particularmente An So-young, a estrela do Madame Aema original, mas a narrativa não adere aos eventos específicos da vida de nenhum indivíduo. Esta ficcionalização deliberada é uma escolha estratégica que permite à série perseguir uma agenda temática mais profunda e expansiva. Ao criar personagens arquetípicas em vez de ser restringida pela fidelidade biográfica, a narrativa fica livre para funcionar como um comentário social mais amplo. Ela pode explorar mais eficazmente as questões sistémicas de misoginia, censura, compromisso artístico e exploração corporativa que eram endémicas na indústria na época. As personagens tornam-se representantes das várias forças em jogo, permitindo um exame mais focado das dinâmicas de poder da era.
Dando um peso significativo a esta abordagem está o envolvimento da produtora The Lamp Co., Ltd., que coproduziu a série com a Studio Kik Co., Ltd. A The Lamp Co. construiu uma reputação formidável por produzir filmes aclamados pela crítica e comercialmente bem-sucedidos que são meticulosamente pesquisados e baseados em eventos históricos reais. A sua filmografia inclui títulos marcantes como A Taxi Driver (2017), que dramatizou o Levante de Gwangju; Mal-Mo-E: The Secret Mission (2019), sobre a preservação da língua coreana sob o domínio colonial japonês; Samjin Company English Class (2020), baseado num escândalo corporativo real; e Phantom (2023), um thriller de espionagem também dirigido por Lee Hae-young e estrelado por Lee Hanee. A associação de uma produtora conhecida pelo seu compromisso com a autenticidade histórica a um projeto que é explicitamente ficcional é uma decisão criativa significativa. Sugere a crença de que, neste caso, uma narrativa de ficção é um veículo mais potente para transmitir a verdade emocional e sistémica dos anos 1980 do que uma releitura estritamente factual poderia ser. Sinaliza ao público que, embora a história não seja literalmente verdadeira, ela deve ser levada a sério como uma interpretação histórica, equilibrando os elementos vibrantes, cómicos e dramáticos da série com uma corrente subjacente de integridade jornalística e histórica. Em última análise, Aema apresenta-se como uma complexa reexaminação moderna de um momento crucial e controverso na história cultural coreana. Ela utiliza a sua estrutura ficcional e uma visão autoral distinta para explorar temas duradouros de solidariedade feminina, o preço da integridade artística e a intrincada, e muitas vezes perigosa, relação entre arte, comércio e política.
A série de seis episódios Aema já está disponível para streaming em todo o mundo, tendo estreado na Netflix a 22 de agosto de 2025.
