Guillermo del Toro, o cineasta que nos ensinou que a beleza pode ter guelras e que a inocência requer muitas vezes a desobediência para sobreviver, habitou sempre um espaço desconfortável: a interseção entre o terror estético e a ternura radical. O seu universo narrativo é um argumento contínuo a favor do defeituoso, do marginalizado e do gloriosamente incorreto. Para muitos, Del Toro não se limita a contar histórias, mas traça um mapa emocional que justifica a existência daquilo que a sociedade se empenha em esconder.
O Banquete do Monstro Imperfeito: Uma Imersão Íntima
Esta visão profundamente pessoal é o eixo central de Sangre del Toro, o documentário que se apresenta como a radiografia mais íntima da sua psique criativa, menos uma biografia formal e mais uma imersão na arquitetura mental que dá vida às suas criaturas. Realizado pelo cineasta francês Yves Montmayeur, um documentarista com vasta experiência em explorar o mundo do cinema e que apresentou a obra na secção Venice Classics, o filme afasta-se deliberadamente da linha temporal cronológica. Montmayeur, que conta com uma trajetória de duas décadas, procura oferecer uma “viagem íntima” ao universo criativo, retratando Del Toro simplesmente “num momento da sua vida”.
O documentário foca-se em desvendar a arquitetura mental do cineasta de Guadalajara. Não é uma biografia clássica, mas introduz-se plenamente na mente do realizador, reunindo testemunhos do próprio Del Toro e de colaboradores próximos, como o diretor artístico Eugenio Caballero. Visualmente, o filme serve-se de um recurso brilhante: utiliza muitas imagens da gigantesca exposição En casa con mis monstruos (Em casa com os meus monstros), que foi apresentada em Guadalajara em 2019. A exposição em si é um objeto de estudo, já que se centra na arte do que é considerado monstruoso, não apenas na forma física, mas também no seu “comportamento ou significado”.
Ao misturar este vasto arquivo pessoal com cenas das suas grandes produções, como Hellboy, O Labirinto do Fauno ou A Forma da Água, o documentário utiliza a coleção como se fosse a própria biografia. A exposição, sendo uma síntese curada por Del Toro de todas as suas influências (desde objetos de arte sacra mexicana até referências a Edgar Allan Poe), permite ao documentário mapear o desenvolvimento psicológico do realizador sem a necessidade de seguir um calendário linear. A estrutura do filme, portanto, imita a natureza associativa e não linear da própria imaginação de Del Toro.
“Temos de Estar Lixados”: A Filosofia da Arte Sem Pedigree
Se há um ponto filosófico que define a essência do realizador mexicano, e que o documentário captura de forma crucial, é a sua defesa da incorreção. Del Toro surpreendeu em Veneza com uma declaração que se torna a tese central da sua arte: a imperfeição não é uma deficiência, mas a fonte necessária da criação. Captando a voz do realizador num momento de grande convicção, o documentário enfatiza a sua afirmação de que a imperfeição é algo desejável.
Del Toro formulou-o de maneira contundente e com uma dose de humor negro: “Podemos estar lixados e criar arte. De facto, temos de estar lixados!”. Esta ideia vai além de uma mera permissão para o erro; é uma profunda reflexão sobre a autenticidade. A arte de verdade, sugere, deve nascer do desconforto e da fricção. Esta filosofia da falha é apresentada como uma vigorosa repulsa às exigências de pureza ou perfeição impostas por estruturas rígidas.
A pergunta retórica lançada por Del Toro revela a intenção social do seu trabalho: “Não temos uma posição na igreja, não somos políticos, por que deveríamos ser perfeitos?”. Ao despojar-se da necessidade de um pedigree moral ou institucional, o artista liberta-se para retratar a verdade humana nos seus “traços mais crus”. A aceitação destas falhas e desta natureza intrinsecamente “quebrada” liga-se diretamente a um dos grandes motores narrativos da sua filmografia: a desobediência.
Se a ordem estabelecida exige uma perfeição inalcançável (o dogma, o poder), então o ato de abraçar a própria realidade imperfeita converte-se no ato mais moral e humano. É a desobediência que guia a Ofélia de O Labirinto do Fauno a procurar a verdade, e é a aceitação da mortalidade e da imperfeição que permite ao seu Pinóquio alcançar a humanidade. O documentário, ao traçar estes paralelismos, demonstra que a obra de Del Toro é um argumento sustentado contra o branqueamento da realidade social e emocional, utilizando o monstro como ferramenta de dignificação.
Os Labirintos de Guadalajara: O Sangue Mexicano no Horror Global
Para entender onde se origina este apetite pelo gótico e pelo imperfeito, Sangre del Toro viaja necessariamente a Guadalajara. O documentário adentra-se na infância formativa do realizador, um período que foi marcado pelo medo infantil da morte. Del Toro partilha no filme como os pais o deixavam no cinema desde as dez da manhã para ver filmes de terror, um ritual que semeou o seu amor precoce e profundo pelo género.
Esta relação precoce e prática com o cinema estabeleceu-se numa idade surpreendentemente jovem. Del Toro relata como fez o seu primeiro filme aos oito anos, utilizando a câmara Super 8 do pai. Este detalhe sublinha que a sua identidade como cineasta não foi uma vocação tardia, mas uma necessidade expressiva que se manifestou quase desde o berço. O filme não rastreia apenas a origem da sua técnica, mas da sua estética. Os pontos de ancoragem do seu estilo gótico revelam-se profundamente locais.
O seu gosto pelo gótico, confessa, vem da imponente catedral de Guadalajara. Mais ainda, a cultura mexicana, com a sua familiaridade e culto à morte, é identificada como um elemento “muito entranhado no espírito de Del Toro”. Esta ligação contrasta com a narrativa comum que costuma ver o cinema de terror como puramente eurocêntrico, demonstrando que Del Toro filtrou o género através do prisma da fatalidade e do melodrama barroco latino, elevando a iconografia mexicana a um nível de influência tão vital quanto os monstros clássicos. Um elemento narrativo constante nas suas histórias é o seu amor pelos labirintos, uma fascinação que o realizador também aborda no documentário. O labirinto é, por definição, uma estrutura de busca e confusão que encapsula o medo e a necessidade de encontrar um caminho através de um caos percebido. Ao ligar estas estruturas narrativas com a sua geografia natal, o documentário sublinha que o “sangue” de Del Toro é uma amálgama indivisível de horror global e tradição de Guadalajara.
Bleak House: A Coleção como Consciência Externalizada
Se a infância de Del Toro explica a origem do seu fascínio, a sua coleção pessoal em Los Angeles, conhecida como The Bleak House (uma referência a Charles Dickens), é a materialização tangível dessa mente. O documentário utiliza esta residência, que é um museu insólito repleto de mais de 600 objetos que refletem a sua obsessão, para explorar o seu fascínio perene pelo monstruoso.
A célebre exposição En casa con mis monstruos, cujas imagens são um pilar visual do documentário, é, em essência, a exportação pública da sua consciência criativa. A coleção é intencionalmente eclética, pois o seu propósito é examinar a arte do monstruoso não apenas na sua forma física, mas também no seu “comportamento ou significado”. A mostra revela a metodologia de Del Toro: como ele toma influências vastas e estrangeiras (desde Poe e Lovecraft até Moebius) e as transforma, colocando-as em contexto com a imaginação fantástica mexicana. Isto inclui a comparação de mitologias estrangeiras com a arte sacra e a caricatura política mexicana, que têm raízes históricas que remontam ao período colonial.
Esta dedicação aos seus objetos vai muito além do simples colecionismo. Quando parte do seu acervo foi empacotado para a exibição no Museu de Arte do Condado de Los Angeles (LACMA), o realizador admitiu sentir-se profundamente desconfortável e declarou que a casa parecia “vazia”. Ele considera estas criaturas e artefactos os seus “companheiros” e o seu “cuidador”. Este detalhe revela um aspeto profundamente humano e vulnerável do realizador. A Bleak House não é apenas um depósito de arte, mas um santuário psicológico. Ao mostrar esta dependência emocional dos seus “monstros”, o documentário ilustra como o colecionismo se torna um mecanismo de defesa contra o caos do mundo exterior. É um artista que necessita de construir um refúgio físico para a sua imaginação, e o filme documenta a relação íntima entre o homem e as suas criaturas.
Anatomia do Antagonista: O Verdadeiro Horror de Fato e Gravata
A exploração da mente de Del Toro em Sangre del Toro revela que o seu fascínio pelos monstros sempre foi uma forma oblíqua de crítica social. Uma premissa fundamental do seu cinema é que as estruturas de poder e a opressão sistémica são os verdadeiros antagonistas, não as criaturas de fantasia. Os seus filmes, como O Labirinto do Fauno, utilizam a fantasia como “refúgio e ato de resistência” contra a “opressão e a violência do mundo adulto”.
O realizador identifica a fonte do monstro moderno como ideológica. A brutalidade não emana da biologia ou do sobrenatural, mas da “certeza, do dogma, do seguimento da ideia de que somos nós e eles”. A divisão é, para Del Toro, a raiz da desumanidade, e o seu cinema procura expor a autoridade que disfarça a crueldade. De facto, ele afirma que os monstros mais brutais de hoje em dia usam “fato e gravata”.
Esta filosofia adquire uma relevância contemporânea vital quando Del Toro a aplica a problemas sociais imediatos. No documentário, ouve-se o realizador refletir sobre o estado da migração, lamentando o quão “absolutamente terrível” é ver a migração como um fator prejudicial. Ele considera essa postura uma loucura, já que um país como os Estados Unidos foi “criado com base na migração”. Ao vincular o arquétipo do monstro, um ser marginalizado e rejeitado (como o monstro de Frankenstein), com a experiência do migrante moderno, Del Toro transforma os tropos clássicos do horror numa parábola política imediata sobre a alienação e a crueldade das fronteiras. O documentário confirma que, sob o verniz da fantasia sombria, jaz um autor com um profundo compromisso humanista que procura a empatia até mesmo nas personagens mais deformadas.
Uma Última Sessão: O Fim de um Ciclo e a Próxima Transformação
Sangre del Toro não olha apenas para trás, mas documenta um ponto de viragem profissional. O documentário capta a atmosfera de colaboração e generosidade que define o seu processo criativo. Del Toro, conhecido pela sua habilidade em inspirar as suas equipas, descreveu um dos seus atores principais como alguém que faria do seu papel “um banquete”, confirmando o seu compromisso com um ambiente que fomenta a expressividade e o alto rendimento criativo.
No entanto, o testemunho mais revelador do realizador é a sua própria autoavaliação. Del Toro confirma categoricamente que o seu último projeto cinematográfico representa o fim de uma era: “soube que é o fim de um ciclo, isso eu tenho claríssimo”. Segundo ele, tudo o que praticou e produziu durante três décadas de realização culminou nesse filme, marcando um ponto de encerramento antes que comece um “novo ciclo”.
Esta declaração confere um peso histórico particular a Sangre del Toro. O documentário, realizado por Montmayeur, torna-se não apenas um estudo de caso sobre a criatividade, mas a retrospetiva definitiva sobre a filosofia, as influências e a metodologia que definiram o Guillermo del Toro da primeira etapa: o homem por trás de O Labirinto do Fauno, A Forma da Água e a animação Pinóquio. Ao documentar a consciência criativa justamente quando o artista declara o encerramento da sua fase estética dominante, o filme serve como a crónica essencial do “sangue” que impulsionou estas três décadas de fantasia. A obra de Montmayeur é, portanto, um ponto culminante e uma despedida, um mapa detalhado do caminho percorrido antes da próxima metamorfose artística.
O Encontro na Netflix
Preparem-se para adentrar a mente mais terna e aterrorizante do cinema contemporâneo, pois a viagem íntima em Sangre del Toro estreia na Netflix a 21 de novembro.
