The Long Now: Saatchi Gallery assinala quatro décadas olhando de frente para o presente

No seu quadragésimo aniversário, a Saatchi Gallery prescinde de uma retrospectiva e apresenta The Long Now, uma exposição coletiva que trata a história da instituição como uma plataforma viva para novas obras e reencontros com peças de referência. Com o apoio da De Beers London e comissariada por Philippa Adams, antiga Senior Director da galeria, a mostra ocupa dois andares e nove salas, reunindo encomendas específicas, instalações, pintura, escultura e obras de imagem em movimento. O objetivo declarado é simples: reafirmar a galeria como lugar onde artistas testam materiais, ideias e públicos—sem transformar a efeméride num exercício de autocelebração.

No cerne de The Long Now está o processo—como se traçam as marcas, como os materiais resistem ou facilitam o gesto e como as imagens ganham forma. As obras de Alice Anderson, Rannva Kunoy e Carolina Mazzolari definem o tom. Cada uma toma a fatura como tema: os envolvimentos e entrançados laboriosos de Anderson, as superfícies atmosféricas de Kunoy que captam e devolvem a luz, e as composições têxteis de Mazzolari, que esbatem as fronteiras entre desenho, pintura e escultura. A questão aqui não é o estilo, mas o trabalho de fazer: a mão permanece visível e o resultado torna-se registo de uma atenção sustentada.

Um segundo fio acompanha artistas que deslocam os limites do meio e da mensagem. Tim Noble, André Butzer, Dan Colen, Jake Chapman e Polly Morgan surgem como nós de uma conversa prolongada sobre a experimentação. Em vez de montar um “best of”, a exposição posiciona estas obras como campos de teste do modo como o sentido se constrói—por justaposição, por escala, por apostas conceptuais que implicam as expectativas do público. Torna-se evidente uma constante Saatchi: pôr o risco em exposição e deixar que o debate se desenrole nas salas.

A pintura, coluna vertebral histórica do programa da galeria, surge aqui com amplitude e contrastes técnicos vincados. Passage (2004), de Jenny Saville, condensa um estudo do corpo contemporâneo—não idealizado, complexo, teimosamente presente—e recorda por que motivo a sua obra tem alimentado debates sobre a figuração nas últimas décadas. Em diálogo, a precisão planar de Alex Katz, as superfícies cosidas e pintadas de Michael Raedecker, a figuração deslocada de Ansel Krut, os véus etéreos de Martine Poppe e as abordagens híbridas de Jo Dennis compõem um espetro de estratégias. A ideia é direta: a pintura não é um único discurso, mas um conjunto de linguagens sobrepostas, em revisão contínua.

Duas instalações articulam com maior clareza os temas da participação e da transformação. YARD, de Allan Kaprow—um campo de pneus historicamente ativado pelo movimento dos visitantes—reconfigura a escultura como ambiente: um espaço a percorrer, e não um objeto para contemplação distante. Suspensa acima, Golden Lotus (Inverted), de Conrad Shawcross, transforma um Lotus clássico em escultura cinética, apresentada anteriormente em Sweet Harmony: Rave Today, e propõe um gesto inverso: retirar a uma forma industrial a sua função para lhe atribuir uma vida de olhar desacelerado. Lidas em conjunto, as obras apresentam modelos complementares de agência: Kaprow convida à intervenção; Shawcross converte a máquina em pergunta.

A mostra enfrenta também os territórios mais disputados do presente—vigilância, automação e fricções éticas da inteligência artificial. Obras de Chino Moya e Mat Collishaw analisam como as máquinas produzem, ordenam e fazem circular imagens, deixando uma questão de fundo: o que significa delegar a visão a sistemas? Em vez de respostas didáticas, colocam o aparelho em primeiro plano—captura, reconhecimento de padrões, distribuição—e evidenciam como estes processos alteram a compreensão do mundo e dos outros.

A pressão ambiental e as vidas subsequentes dos materiais surgem como motivo recorrente. Bardo, de Gavin Turk, apresentada em painéis de vidro fragmentados, lê-se como meditação sobre transição e impermanência—suficientemente estável para sustentar uma imagem, suficientemente instável para sugerir fratura. As peças de luz de Olafur Eliasson, Chris Levine e Frankie Boyle abrandam a perceção até ao limiar do quase impercetível, apurando o olhar. Em paralelo, contribuições de Edward Burtynsky, Steven Parrino, Peter Buggenhout, Ibrahim Mahama, Ximena Garrido-Lecca e Christopher Le Brun abordam extração, resíduo e renovação a partir de materiais e perspetivas muito distintos. A linha curatorial é pragmática: clima e indústria não são “temas” a ilustrar, mas condições sob as quais hoje se produz e se experiencia arte.

20:50, de Richard Wilson, funciona como âncora histórica e clímax experiencial. A sala é preenchida até à altura da cintura com óleo de motor reciclado; a superfície imóvel espelha a arquitetura com uma precisão desconcertante. Uma passerelle estreita conduz o visitante a uma câmara onde a orientação vacila e os limites se dissolvem—as linhas de visão parecem prolongar-se num segundo espaço, invertido. Depois de instalações nas três localizações anteriores da Saatchi Gallery, a obra reaparece aqui num contexto novo, num piso superior: o encontro muda, o efeito nuclear permanece. Neste enquadramento, o material—o petróleo—ganha ressonâncias adicionais, mas a peça resiste a slogans simplificadores. É uma lição de olhar: entrar com cuidado, registar a instabilidade e notar como a perceção recodifica o que parece sólido.

Onde muitas exposições de aniversário resvalam para o autorretrato institucional, The Long Now mantém a instituição em segundo plano e coloca a obra em primeiro. A estrutura curatorial de Adams é legível mas leve, deixando que as instalações conduzam a argumentação. O atual estatuto da galeria como organização de caridade é referido em termos práticos—as receitas de bilheteira são reinvestidas em programação e acesso—, enquanto o apoio da De Beers London surge como patrocínio alinhado com criatividade e inovação, não como diretiva de conteúdo.

A lista de artistas sublinha o diálogo intergeracional e a amplitude. Para além dos nomes já referidos, a exposição reúne Olivia Bax, John Currin, Zhivago Duncan, Rafael Gómezbarros, Damien Hirst, Tom Hunter, Henry Hudson, Maria Kreyn, Jeff McMillan, Misha Milovanovich, Ryan Mosley, Alejandro Ospina, Sterling Ruby, Soheila Sokhanvari, John Squire, Dima Srouji e Alexi Williams Wynn, entre outros. Não se trata de fixar um cânone, mas de apresentar um corte transversal de práticas que investigam como as imagens acumulam sentido e valor no espaço público.

Acesso e mediação fazem parte integrante do dispositivo expositivo. As Saatchi Gallery Lates prolongam horários e oferecem novas portas de entrada a públicos que, de outro modo, poderiam perder a mostra. Os bilhetes começam nas £10, com receitas canalizadas para as atividades essenciais da instituição. No rés-do-chão, uma apresentação em colaboração com a Bagri Foundation—Myths, Dreams and New Realities—reúne 13 artistas asiáticos emergentes, com comissariado de Chelsea Pettitt em parceria com a equipa da Saatchi. Longe de um satélite, o projeto avança em paralelo com as questões centrais da exposição: a identidade como construção dinâmica, os materiais como depositários de memória e a narrativa como ferramenta para reimaginar o presente.

Em conjunto, The Long Now usa uma celebração não para canonizar o passado, mas para clarificar o tempo presente da prática artística: processo em primeiro plano, participação convidada, sistemas examinados, materiais levados ao limite. O título funciona como descrição e instrução. A duração importa—não para adiar a urgência, mas para sustentar a atenção o tempo necessário para que obras complexas assentem. Se o valor de uma galeria reside na qualidade dos encontros que torna possíveis, então a tarefa aos quarenta é a mesma que aos quatro: reunir objetos que exigem tempo, dispô-los para que dialoguem entre métodos e gerações, e confiar no público para fechar o circuito.

Datas: The Long Now está patente de 5 de novembro de 2025 a 1 de março de 2026. As Saatchi Gallery Lates estão previstas para 7 de novembro, 21 de novembro, 5 de dezembro e 23 de janeiro. Myths, Dreams and New Realities, da Bagri Foundation, pode ser visitada de 24 de outubro a 30 de novembro. Bilhetes a partir de £10.