Charlotte Wells: a cineasta de Aftersun que escolhe Albany em vez de Hollywood

Charlotte Wells

Photo: F. E. Willard & M. A. R. Livermore / Public domain, via Wikimedia Commons

Nascimento	13 de junho de 1987 Edinburgh, Scotland
Ocupação	Cineasta
Conhecido por	Aftersun
Prémios	3 BAFTA · Directors Guild of America · British Independent Film Awards Best Director · British Independent Film Awards Best Film

A estreia na realização britânica mais aclamada desta década abriu com imagens que pareciam um vídeo caseiro encontrado numa gaveta — tremido, desbotado pelo sol, insuportavelmente privado. Quatro anos depois, a realizadora por detrás do filme não está a navegar por uma lista de desenvolvimento de estúdio. Está em Albany, Nova Iorque, a visitar uma professora de bateria cujos antigos alunos integraram os Luscious Jackson, a vê-la recordar uma vida numa cidade que já não pertence às pessoas que a construíram.

Charlotte Wells não se move da forma como a indústria esperava. O BAFTA, o prémio do Directors Guild, a nomeação para o Óscar que rodeou a atuação de Paul Mescal no seu filme — tudo isto criou um tipo específico de pressão, daquela que tende a produzir um segundo filme concebido para confirmar a inteligência da estreia com um orçamento mais elevado. Ela escolheu, até agora, fazer antes curtas-metragens.

Cresceu no bairro de Morningside, em Edimburgo, frequentou a George Heriot’s School, e mudou-se para sul e depois para leste: Estudos Clássicos no King’s College London, uma pós-graduação em Oxford, e depois Nova Iorque aos vinte e poucos anos para a Tisch School of the Arts da NYU, onde estudou produção e se formou com um duplo MFA e MBA. Veio para Nova Iorque para produzir. Acabou por escrever e realizar, não porque alguém lhe dissesse para o fazer, mas porque o trabalho que a atraía assim o exigia. Em algum lugar no fundo de todas estas transições estava o facto da morte do seu pai quando ela tinha dezasseis anos — uma perda que passaria as duas décadas seguintes a abordar de forma oblíqua.

As suas curtas-metragens cedo demarcaram o território. Tuesday, de 2015, abria com a morte de um pai. Laps, um ano depois, retratava a agressão e o isolamento urbano com a compressão de uma realizadora que já compreendia que o silêncio custa menos do que a explicação — ganhou um Prémio Especial do Júri para Montagem em Sundance e uma Menção Especial do Júri no SXSW. Blue Christmas, em 2017, voltava-se para a disfunção familiar no momento mais formalmente codificado do ano. Nas três, uma sensibilidade tornava-se visível: interessada no que não é mostrado, no que se move no enquadramento enquanto a personagem central desvia o olhar.

Aftersun demorou oito anos. Wells começou por juntar as peças enquanto revia fotografias antigas de férias de verão que passara com o pai — viagens a um resort na costa turca, a qualidade particular da luz naquela latitude. O que emergiu não foi autobiografia no sentido documental, mas algo mais difícil de categorizar: um filme em que uma jovem escocesa, Sophie, vê imagens de umas férias que passou com o pai quando tinha onze anos, e encontra nessas imagens uma dor que teria sido impossível de montar na altura. Paul Mescal interpretou o pai, Calum, a aproximar-se do seu trigésimo primeiro aniversário em 1999 com um peso que o filme se recusa a nomear. Frankie Corio interpretou a jovem Sophie com a precisão de uma criança que compreende mais do que lhe é permitido mostrar. O filme estreou na Semana da Crítica do Festival de Cannes e chegou ao público nos Estados Unidos através da A24.

A resposta crítica foi intensa e imediata, mas os seus termos foram por vezes mais estreitos do que o próprio filme. Os críticos recorreram a ‘devastador’ e ‘profundamente pessoal’ — ambos precisos, ambos ligeiramente fora do alvo. O que Aftersun realmente faz é mais desconfortável: recusa-se a entregar a cena que permitiria ao espectador compreender o que aconteceu a Calum. A sua depressão, a sua precariedade, a implicação do filme de que ele pode não ter sobrevivido muito mais tempo — tudo permanece no registo da suspeita em vez da confirmação. Um espectador que queira que o filme resolva a sua tragédia tem de aceitar a possibilidade de que não o fará. Isto fez dele uma das estreias formalmente mais interessantes do cinema britânico em anos, e também o tornou mais difícil de comercializar, o que a A24 conseguiu fazer de qualquer forma.

Mescal recebeu nomeações para o Óscar e para o BAFTA de Melhor Ator. Wells ganhou o BAFTA para Melhor Estreia de um Argumentista, Realizador ou Produtor Britânico e o prémio do Directors Guild of America para a melhor primeira longa-metragem de realização. O filme acumulou mais de cem nomeações e trinta e três prémios em todo o circuito. O New York Times colocou-o em 78.º lugar na sua classificação de 2025 dos melhores filmes do século XXI.

Nos BAFTAs, Wells usou o seu discurso de agradecimento para falar publicamente sobre a sua própria identidade numa sala que nem sempre lhe tinha feito espaço. O filme que fizera, e a realizadora que o fizera, não eram duas coisas separadas.

Os quatro anos que se seguiram não produziram uma segunda longa-metragem. Produziram um videoclipe para a cantora Romy, uma nova curta no Festival de Cinema de Nova Iorque de 2026, e uma declaração pública de intenção criativa. Esse filme, New York Never Let Me Down, dura catorze minutos e visita Paula Spiro, uma professora de bateria em Albany cujos antigos alunos incluíram Kate Schellenbach dos Luscious Jackson, e que está entre os mais velhos queer a serem deslocados da cidade que ajudaram a moldar. Wells descreveu o seu próximo projeto como sendo informado por News from Home de Chantal Akerman — filmado rapidamente, com a câmara que estiver à mão, mais próximo do instinto do que do design de produção. Uma cinebiografia dos Blondie, com o aval de Debbie Harry e Florence Pugh a rondar o papel principal, existe numa linha temporal diferente. Se essas duas linhas temporais alguma vez se encontrarão, e em que termos, é a questão que os próximos anos resolverão.

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