Por que os grupos de K-pop criam universos fictícios que os fãs decifram durante anos

A estrutura é quase sempre a mesma. Um novo álbum é lançado e, em poucas horas, milhares de fãs não se limitam a ouvir: estão a ver videoclips frame a frame, a cruzar letras com lançamentos anteriores, a atualizar wikis de fãs com novas teorias sobre uma história contínua. É a isto que se chama lore-core no K-pop: a prática sustentada de incorporar narrativas ficcionais originais ao longo de todo o catálogo de um grupo, capítulo a capítulo, deixando a descodificação para o público.

O BTS construiu o modelo, criando o seu vasto universo de amadurecimento através de uma série de curtas-metragens interligadas, videoclips, uma webtoon e um romance visual. A sua história, que entrelaça temas de juventude, amizades fraturadas e um mecanismo de loop temporal ao longo do ciclo HYYH, foi deliberadamente deixada incompleta. Essa incompletude era o mecanismo: as comunidades de fãs formaram-se para a resolver, e o ato de resolver tornou-se uma forma de lealdade.

Outras editoras replicaram a estrutura. A SM Entertainment construiu o SMCU (SM Culture Universe) em torno de artistas como as aespa, cujo conceito se centra em KWANGYA, uma selva virtual onde avatares digitais de cada membro coexistem com uma figura de IA orientadora chamada nævis. O mesmo universo liga o NCT e o EXO numa continuidade ficcional partilhada, convertendo o que seriam fandoms separados de grupos numa só audiência interligada. Os ATEEZ adotaram uma abordagem mais confrontacional: a sua narrativa Strictland coloca o grupo como rebeldes numa sociedade distópica onde a própria arte é proibida, enquadrando a música como um ato de resistência.

Os mecanismos funcionam porque convertem ouvintes passivos em participantes ativos. Os fãs imersos na mitologia de um grupo passam o tempo entre regressos a avançar teorias comunitárias, a interpretar motivos visuais e a produzir videoensaios que muitas vezes duram mais do que o material de origem que analisam. As editoras de K-pop profissionalizaram a cadeia de abastecimento: relatos da indústria confirmam que as editoras contratam agora regularmente romancistas, argumentistas e poetas para desenvolver arcos narrativos concebidos para sustentar um conceito ao longo de anos de lançamentos.

O apetite narrativo do K-pop chegou à animação. A cobertura da MCM ao filme da Netflix que coloca ídolos do K-pop contra demónios ficcionais documentou como a premissa se traduziu naturalmente, porque o público já trata os seus ídolos como personagens que habitam mundos inventados. O contraponto surge quando os ídolos saem da mitologia construída, como a MCM analisou na série não-roteirizada Agents of Mystery: despojados de um conceito fixo, a tensão entre persona e pessoa torna-se mais difícil de gerir.

Nem todas as apostas em mitologias compensam. Uma lore complexa exige um compromisso que os ouvintes de primeira viagem raramente trazem. Um grupo construído em torno de uma história de fundo com múltiplos episódios pode parecer impenetrável para quem chega sem contexto. À medida que a indústria avançou no período pós-pandemia, muitos grupos migraram para conceitos mais terrenos e orientados para hooks, feitos para plataformas de formato curto em vez de descodificação colaborativa. O Korea Times noticiou diretamente esta mudança, observando que a lore se tornou uma ferramenta de produção flexível em vez de um padrão de género, algo que as editoras agora aumentam ou diminuem consoante a resposta do público.

A era do lore-core não terminou tanto quanto se estratificou. Grupos estabelecidos continuam a aprofundar as suas mitologias; os artistas mais recentes tendem a testar uma narrativa mais ligeira e a estendê-la apenas se os fãs a adotarem. A questão que o modelo expôs — se a interpretação coletiva sustentada é uma estratégia de fandom ou uma capacidade de género por direito próprio — permanece suficientemente em aberto para que a resposta da indústria continue a mudar.

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