Alex Katz, o pintor americano que transformou a clareza numa declaração artística

Alex Katz

Photo: Unknown / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nascimento	24 de julho de 1927 Brooklyn, New York, United States
Ocupação	Pintor
Prémios	John Simon Guggenheim Memorial Fellowship (1972) · American Academy and Institute of Arts and Letters (1988) · Lifetime Achievement Award, National Academy of Design (2007) · National Medal of Arts (2024)

A pergunta que Alex Katz nunca se deu ao trabalho de responder foi aquela que a pintura americana passou as décadas de 1950 e 1960 a insistir que era a única que valia a pena fazer: o que significa pintar de dentro para fora? Os expressionistas abstratos tinham uma resposta — gesto, escala, necessidade psíquica. Katz tinha um projeto diferente. Queria pintar o rosto de Ada exatamente como aparecia à luz da tarde, e não estava particularmente interessado em teorizar sobre isso.

O que ele fazia era mais difícil de descartar do que parecia. No mesmo ano em que as pinturas de gotejamento de Jackson Pollock dominavam a conversa, Katz desenvolvia um estilo que achatava tudo — forma, sombra, hierarquia — em grandes campos de cor interrompidos pelo contorno específico de um rosto, uma árvore, um vestido de festa. Cresceu no Queens, filho de imigrantes judeus de Odessa. O pai tinha uma fábrica lá antes de a revolução soviética pôr fim a esse capítulo da história da família. Katz estudou na Cooper Union no final dos anos 1940, e depois passou um verão formativo na Skowhegan School, no Maine, onde encontrou uma paisagem à qual regressaria para o resto da vida. A sua primeira exposição individual foi em 1954, na Roko Gallery. Na década seguinte, destruiu cerca de mil telas — não por desespero, mas por precisão. Procurava algo específico e deitou fora tudo o que não era isso.

O que encontrou foi um modo de pintar que devia tanto às xilogravuras japonesas e ao cinema como à tradição americana. As obras de grande escala que começou a produzir no início dos anos 1960 tinham a certeza gráfica dos cartazes. The Black Dress (1960) mostrava Ada seis vezes no mesmo vestido preto de cocktail, dispostas como uma folha de contactos de filme. The Red Smile (1963), com quase três metros de largura, colocava o seu perfil contra uma extensão de vermelho que funcionava menos como fundo do que como atmosfera — a cor de uma sala de onde não se podia sair. Blue Umbrella I (1972) elevou ainda mais a fasquia, atingindo dimensões que a aproximavam mais da arquitetura do que da pintura. O Katz mais caro a ir a leilão ultrapassou os três milhões de libras esterlinas. Nada disto veio de perseguir o mercado. O mercado chegou devagar, ao longo de décadas, e encontrou um pintor que tinha feito os mesmos movimentos calculados o tempo todo.

As ambições públicas também eram literais. Em 1977, Katz instalou um outdoor na Times Square: 23 cabeças de retrato a ocupar 247 pés de comprimento, com 20 pés de altura. Três anos depois, completou um mural para o Edifício do Procurador dos EUA em Foley Square. O trabalho estava a escalar para fora enquanto a sua lógica permanecia inteiramente interior — rostos, lugares, luz.

Ada Del Moro, que Katz conheceu numa inauguração de galeria em 1957 e com quem casou a 1 de fevereiro de 1958, tornou-se o tema de mais de 250 retratos ao longo do casamento. É uma das mulheres mais pintadas na história da arte americana, e no entanto as pinturas resistem à interpretação psicológica de uma forma que tem deixado os críticos desconfortáveis. Não dizem o que Ada está a pensar. Dizem o que a luz estava a fazer no momento em que Katz olhou. Se isso é uma limitação ou um princípio tem sido o debate central sobre o seu trabalho durante 60 anos.

Vale a pena examinar esse debate diretamente. Aplanamento de afeto nos retratos de Katz — a superfície que dá informação sobre postura e cor e o corte de um casaco, mas retém o drama interior que a pintura a óleo historicamente se espera que revele — é lido por alguns críticos como evasão. Robert Storr identificou na obra “um tipo novo e distinto de realismo na arte americana que combina aspetos tanto da abstração como da representação”, que é uma forma de o descrever. Outra é que Katz encontrou uma maneira de fazer com que o espectador forneça a psicologia que o pintor reteve, e que esse ato de reter é em si mesmo uma forma de controlo. As pinturas não confidenciam. Apresentam.

Desde 2022 que trabalha a partir de fotografias de iPhone — o mesmo olhar analítico aplicado a um novo material de origem. A série Four Seasons, exibida na SCAI PIRAMIDE em Tóquio no verão de 2025, traduzia instantâneos do Maine em telas de grande escala com a mesma clareza orientadora que ele aplicou a tudo. Seguiu-se uma série de lótus brancos, desta vez a partir de fotografias de praia do Maine. No final de 2025, novas pinturas na Gladstone Gallery, em Nova Iorque, exploravam uma única laranja sobre fundo branco — estradas do Maine, reduzidas à sua temperatura essencial.

Fez 99 anos a 24 de julho de 2026. Nos meses em torno desse aniversário, o seu trabalho apareceu em Tubinga, Londres, Salzburgo e Seul. O Museu de Arte do Colby College, no Maine, montou uma exposição de desenhos. A Medalha Nacional das Artes, que recebeu na Casa Branca em outubro de 2024, destacou o seu trabalho por evocar um retrato duradouro da América. O que Katz realmente evocou é mais específico do que isso: um retrato duradouro do que custa olhar cuidadosamente para coisas vulgares durante 70 anos e resistir à pressão de explicar o que se encontra.

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