Pablo Picasso, o artista que partiu o espelho do mundo e nunca se preocupou com os cacos

Pablo Picasso

Photo: Argentina. Revista Vea y Lea / Public domain, via Wikimedia Commons

Nascimento	25 de outubro de 1881 Málaga, Spain
Falecimento	8 de abril de 1973 (91)
Ocupação	Pintor, escultor, ceramista
Conhecido por	O Testamento de Orfeu, O Mistério de Picasso, Public Speaking
Prémios	Lenin Peace Prize (1950) · Lenin Peace Prize (1961) · Légion d'honneur (France) · Royal Order of Isabella the Catholic (Spain)

Há artistas que mudam a forma como um século se decora. Depois há Picasso, que mudou a forma como se vê. Na primeira década do século XX, um jovem espanhol a trabalhar em estúdios alugados em Montmartre produziu uma pintura que não foi mostrada ao público durante quase três décadas porque era demasiado disruptiva, demasiado angulosa, demasiado claramente uma rutura com tudo o que viera antes. Les Demoiselles d’Avignon não foi terminada em 1907 tanto quanto foi abandonada — Picasso foi-lhe retocando, inseguro, como se tivesse consciência de que não trabalhava no seio de uma tradição mas sim a romper uma. E tinha razão.

Nasceu Pablo Ruiz Picasso a 25 de outubro de 1881, em Málaga, numa família onde a arte já era profissão. O pai dava aulas de desenho em escolas locais e foi o primeiro a reconhecer no filho algo que excedia a instrução. Quando o rapaz tinha doze anos, o pai passou-lhe os próprios pincéis e, segundo um relato, deixou de pintar. Se essa história é verdade ou não importa menos do que aquilo que revela sobre como Picasso foi treinado para se ver a si mesmo: como alguém para quem as regras normais tinham sido suspensas à partida.

O seu primeiro estilo maduro não foi o Cubismo — foi a dor. O Período Azul (1901–1904) chegou depois de o seu amigo íntimo Carlos Casagemas ter morrido por suicídio em Paris. A paleta reduziu-se a azuis frios e cinzentos; os temas passaram a ser os pobres, os isolados, os presos. A Vida (1903) e O Velho Guitarrista (1903–04) pertencem ambos a este período — pinturas que comunicam desesperança através da cor como argumento em vez de narrativa, através de uma aridez pictórica que se lê não como técnica mas como estado de espírito. Depois a paleta aqueceu. O Período Rosa (1904–1906) trouxe arlequins, artistas de circo, uma espécie de calma provisória. Depois veio a rutura.

A rutura teve um colaborador. Georges Braque e Picasso inventaram o Cubismo juntos, um facto que o mito do génio solitário tende a minimizar. Entre 1908 e 1914, o Cubismo Analítico dissolveu o plano pictórico convencional em facetas interligadas, mostrando um sujeito a partir de múltiplos pontos de vista em simultâneo — a frente e o perfil e o interior ao mesmo tempo, como se o olho tivesse sido libertado de ter de escolher um único ângulo. No início dos anos 20, chegara o Cubismo Sintético: mais vivo, mais construído a partir de fragmentos cortados e remontados, menos um enigma visual e mais uma afirmação. Três Músicos (1921) é a destilação — jazzística, teatral, quase festiva, e completamente diferente de tudo o que existira antes.

Guernica (1937) é um tipo diferente de pintura. Picasso vivia em Paris quando os Nacionalistas de Franco e os seus aliados nazis bombardearam a cidade basca de Guernica durante a Guerra Civil Espanhola. Concluiu o mural — monocromático, massivo, um caos de cavalos a relinchar e corpos a desintegrar-se e uma única lâmpada a iluminar os destroços — em seis semanas. É uma das coisas mais politicamente diretas que fez, e um dos raros momentos em que o seu distanciamento privado e a sua postura pública pareceram, brevemente, coincidir.

A prestação de contas crítica que a biografia há muito adiava: A Vida com Picasso (1964) de Françoise Gilot foi o primeiro testemunho extenso vindo de dentro da máquina. Ela documentou a possessividade, o isolamento deliberado de outros artistas, a crueldade psicológica que descreve não como explosão ocasional mas como método. Outras mulheres que foram centrais na sua vida — Dora Maar, Marie-Thérèse Walter, Olga Khokhlova — deixaram registos de vários tipos. A exposição de Hannah Gadsby em 2023, It’s Pablo-matic, no Museu do Brooklyn, tornou a questão institucional: podemos pendurar as pinturas e continuar a não nomear aquilo que as acompanhou? A exposição recusou a resposta fácil e fez bem em recusá-la. O que produziu foi desconforto em vez de um veredito, e esse é o produto certo para uma pergunta que não se resolve num único quadro.

Nas suas últimas décadas, Picasso voltou-se cada vez mais para a cerâmica, produzindo milhares de obras na olaria Madoura em Vallauris, e continuou a pintar até ao fim. Morreu a 8 de abril de 1973, em Mougins, França, com noventa e um anos, ainda a trabalhar. O seu espólio — um dos mais litigados da história da arte moderna — acabou por se estabelecer num sistema de fundações e museus dedicados: o Musée Picasso-Paris, o Museu Picasso em Barcelona, o Museo Picasso Málaga e o Musée Picasso d’Antibes.

O circuito expositivo póstumo não abrandou. A exposição de 2026 do Louvre Abu Dhabi, “Picasso, the Figure”, reuniu mais de 130 obras de coleções internacionais, em exibição até maio de 2026. A Tate Modern realizou uma exposição focada em The Three Dancers até abril de 2026; o Museo Picasso Málaga apresentou “Memory and Desire” (2025–2026), uma retrospetiva da década 1925–1945. As obras continuam a aparecer em leilão com a regularidade de um artista vivo — Les femmes d’Alger (Version ‘O’) foi vendida por 179 milhões de dólares em 2015, um dos preços mais altos jamais pagos por qualquer obra de arte. O que estes números registam não é apenas gosto. São a resposta do mercado a uma pergunta sobre escassez: com que frequência alguém muda o que a arte tem permissão para ser? Picasso mudou isso. O que fazemos com o quadro completo — não apenas as pinturas na parede — é ainda, cinquenta anos após a sua morte, uma discussão em curso.

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